Evita (banda sonora)

Evita
Banda sonora de Madonna
Publicación	25 de octubre de 1996
Grabación	Octubre-diciembre de 1995
Estudio	CTS Studios Whitfield Street Studios Metropolis Studios Abbey Road Studios Olympic Recording Studios (Londres)
Género(s)	Ópera rock
Formato	CD casete
Duración	01:48:47
Discográfica	Warner Bros.
Catálogo	9362-46346-2
Productor(es)	Nigel Wright Alan Parker Andrew Lloyd Webber David Caddick
Cronología de Madonna
Something to Remember (1995) Evita (1996) Ray of Light (1998)
Sencillos de Evita
«You Must Love Me» Publicado: 7 de octubre de 1996 «Don't Cry for Me Argentina» Publicado: 16 de diciembre de 1996 «Another Suitcase in Another Hall» Publicado: 3 de marzo de 1997

Evita es la banda sonora de la película del mismo nombre, dirigida por Alan Parker, basada en el álbum conceptual de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice titulado Evita (1976), que relata la vida de Eva Perón, política y primera dama de Argentina. El disco cuenta con las interpretaciones principales de Madonna como Eva, Antonio Banderas como Che, Jonathan Pryce como Juan Domingo Perón y Jimmy Nail como Agustín Magaldi. Para la realización del álbum, Parker reunió a Rice y Lloyd Webber, quienes no se llevaban bien y no habían trabajado juntos en varios años, para discutir y acordar los 146 cambios que él solicitó respecto a la partitura original, que consistían en abreviar o eliminar piezas, modificar letras de algunas canciones y crear una nueva orquestación. Además, los autores compusieron una nueva canción, «You Must Love Me», para enfatizar la relación entre Eva y su esposo, lo que marcó su primera colaboración en más de diez años. Por su parte, para afrontar las exigencias de las canciones de Evita, Madonna se sometió a un intenso entrenamiento vocal de seis meses que le permitió ampliar su registro y alcanzar notas más agudas.

Las grabaciones tuvieron lugar entre octubre y diciembre de 1995 en diversos estudios de Londres, con Parker, Lloyd Webber, Nigel Wright y David Caddick como productores. Dado que el filme está cantado de principio a fin, las grabaciones previas eran necesarias para que los actores sincronizaran los labios en el rodaje. Por ello, cualquier decisión que se tomara en el estudio debía ser la misma que si se estuviera rodando una película normal. Las sesiones fueron difíciles al inicio, ya que los miembros del reparto estaban fuera de su zona de confort, y la parte más complicada fue mantener la coherencia entre la música y lo que se filmaría más adelante. La banda sonora pertenece principalmente al género ópera rock, aunque la producción también abarca otros estilos que van desde el rock, el pop y el jazz latino hasta la balada y el vals. Evita se centra principalmente en Madonna, que adopta distintos estilos vocales para reflejar la evolución de su personaje, y narra la historia del ascenso y caída de Eva Perón: desde sus orígenes humildes hasta su popularidad, su posterior pérdida de prestigio y su transformación en leyenda.

Aunque todos los actores cantan en el disco, Evita se publicitó como un nuevo álbum de Madonna y forma parte de su discografía oficial. El material se lanzó en dos versiones separadas: un álbum doble titulado The Complete Motion Picture Music Soundtrack, que presentaba todas las canciones de la película y duraba 107 minutos, y una edición de un solo disco, Music from the Motion Picture, que contenía una selección de diecinueve temas destacados. Publicada y distribuida por Warner Bros. en los formatos CD y casete, la banda sonora salió a la venta el 25 de octubre de 1996 —en su edición de un disco— en Australia y la mayor parte de Europa, mientras que el álbum doble estuvo disponible en Estados Unidos el 12 de noviembre y el 25 en el resto de los mercados internacionales. Para su promoción, Warner Bros. publicó tres sencillos: «You Must Love Me» —que ganó el Globo de Oro y el Óscar a la mejor canción original—, «Don't Cry for Me Argentina» y «Another Suitcase in Another Hall». Además, la página oficial del sello dedicó un apartado especial a Evita, donde se ofrecían entrevistas e información sobre los créditos y la lista de canciones.

Las reseñas de Evita fueron mayoritariamente variadas. Las críticas se enfocaron en la producción, orquestación y composición del disco, así como en las interpretaciones vocales de Madonna y los actores masculinos, aspectos que recibieron tanto elogios como comentarios negativos. Comercialmente, alcanzó el primer puesto en las listas de Austria, Bélgica, Eslovenia, Estonia, Grecia, Irlanda, Reino Unido, República Checa y Suiza, y se posicionó entre los diez primeros en varios otros países. En Estados Unidos, ocupó el segundo lugar en el conteo Billboard 200, lo que representó el proyecto más exitoso de Lloyd Webber y Rice y el cuarto álbum número dos de Madonna. Hasta enero de 1998, había vendido siete millones de copias en todo el mundo. Considerada una de las obras poco apreciadas de la cantante, las reseñas retrospectivas de Evita destacaron su éxito en una época en la que artistas jóvenes y de géneros más comerciales dominaban la música popular. La voz de Madonna continuó recibiendo elogios con el tiempo y la crítica resaltó que su nuevo registro, más amplio y potente, se reflejó en sus siguientes producciones musicales.

Luego del éxito comercial de Jesus Christ Superstar (1970), el letrista Tim Rice y el compositor Andrew Lloyd Webber retomaron el formato con su siguiente proyecto colaborativo, el álbum conceptual Evita, que relataba la vida de Eva Perón (1919-1952), segunda esposa del expresidente Juan Domingo Perón y primera dama de Argentina, en donde se la conoció como la líder espiritual de la Nación.^[1]​^[2]​^[3]​ La idea de un álbum surgió en 1973, cuando Rice escuchó un programa de radio británico sobre su trayectoria política y quedó atraído por la historia.^[4]​^[5]​ Él y Lloyd Webber concibieron y compusieron la obra como una grabación conceptual, completa y coherente antes de su estreno en los escenarios.^[4]​ El álbum doble Evita se lanzó en noviembre de 1976 a través de MCA, con Julie Covington en el rol protagónico, y alcanzó el primer puesto en las listas británicas, un hecho sin precedentes para un musical aún no producido en el teatro.^[6]​^[7]​ Incluyó los sencillos «Don't Cry for Me Argentina», que llegó al número uno en el Reino Unido en febrero de 1977 y fue el más vendido por una artista femenina hasta ese momento, y «Another Suitcase in Another Hall».^[2]​^[6]​ Dos años después, Evita debutó en el Teatro Prince Edward de Londres el 21 de junio de 1978, con Elaine Paige en el papel principal, bajo la dirección de Harold Prince.^[6]​ La primera producción estadounidense tuvo lugar en el Ahmanson Theatre de Los Ángeles, con Patti LuPone como Eva, antes de su estreno en Broadway el 25 de septiembre de 1979.^[6]​^[8]​ Con su formato semi-operístico —sin diálogos y con recitativos enlazados por la música—, marcó una ruptura con los musicales convencionales.^[9]​ Desde entonces, la obra, que pasó a ser uno de los mayores éxitos de taquilla de la historia, se la considera una de las más reconocidas y la que cambió la manera en que se disfrutarían los musicales.^[9]​^[10]​ Además, aumentó la notoriedad de Lloyd Webber y Rice, quienes para entonces emprendieron proyectos por separado.^[9]​

La adaptación cinematográfica fue un objetivo intermitente desde el estreno del musical.^[11]​ Durante más de quince años, diversos directores y actrices estuvieron vinculados al proyecto. Sin embargo, los problemas de agenda, la falta de financiación y la desconfianza de los estudios de cine hacia los musicales frustraron los intentos de concretarlo.^[11]​^[12]​ A finales de 1994, Alan Parker —a quien se le había ofrecido dirigir la adaptación a comienzos de los años 1980— retomó el proyecto con los productores Robert Stigwood y Andrew G. Vajna.^[4]​^[13]​ Dada su experiencia previa en musicales cinematográficos, Parker consideraba que narrar la historia de Eva de manera «equilibrada y contemporánea, íntegramente como una ópera», suponía un gran desafío.^[7]​^[14]​ Para el guion, prescindió de las versiones teatrales y se basó exclusivamente en el álbum conceptual de 1976, que era lo que lo había impactado inicialmente, así como en su propia investigación histórica.^[4]​^[15]​^[16]​ Si bien los borradores previos contenían pasajes de diálogo, respetó las intenciones de Rice y Lloyd Webber de concebir Evita como una ópera sin diálogos, e intentó equilibrar la representación de Eva Perón y evitar los matices de las versiones anteriores.^[3]​^[13]​^[17]​ Su objetivo era desarrollar una versión lo más documentada y fiel posible a la historia real.^[7]​ El equipo técnico contó con el director de fotografía francés Darius Khondji, el diseñador de producción Brian Morris, la diseñadora de vestuario Penny Rose y el editor Gerry Hambling, entre otros.^[7]​^[18]​ La película fue producida por Hollywood Pictures —filial de Disney— y Cinergi Pictures y distribuida por Buena Vista Distribution.^[6]​^[19]​

La cantante Madonna llevaba más de diez años interesada en interpretar a Eva Perón y, tras conocer que Parker dirigiría la película, le envió una carta manuscrita de cuatro páginas —que él describió como «extraordinariamente apasionada y sincera»— en la que le explicaba que solo ella podía comprender plenamente su dolor y pasión, y que era la única que podía interpretar el papel. Además, prometió que «actuaría, cantaría y bailaría con toda su alma» si le daba la oportunidad y dedicaría todo su tiempo para cumplir con lo que él pidiera.^[21]​^[22]​^[23]​ A modo de audición informal, también le adjuntó una copia del videoclip de su sencillo «Take a Bow» (1994), inspirado fuertemente en la iconografía latinoamericana y religiosa.^[24]​^[25]​ Si bien dudó en un principio de que estuviera realmente comprometida con el proyecto como prometía, Parker quedó impresionado por su determinación y deseo de interpretar el papel y comprobó que estaba dispuesta a dedicar tiempo, concentración y esfuerzo durante un largo período, por lo que decidió contratarla.^[21]​^[22]​^[26]​ Una vez confirmada su participación, investigó exhaustivamente la figura de Eva Perón en la historia argentina y viajó a Buenos Aires para entrevistar a historiadores, exfuncionarios del partido y otros contemporáneos.^[4]​^[27]​^[28]​ Además, aprendió a bailar tango e imitó sus gestos y apariencia.^[29]​ Declaró sentirse «obsesionada» con ella y fue la primera en notar similitudes entre ambas.^[30]​^[31]​ En cuanto al resto del reparto, el actor español Antonio Banderas interpretó a Che, un personaje «irónico», símbolo de la conciencia crítica de Argentina, que tiene sentimientos encontrados sobre Eva.^[32]​^{[nota 1]}​ Descrito como «huraño, casi brechtiano», es el hilo conductor de la historia, y a su vez no se relaciona con ningún otro personaje, sino que actúa a manera de coro griego, al entrar y salir del relato.^[34]​ El galés Jonathan Pryce y el inglés Jimmy Nail conformaron el resto del elenco principal, en los papeles respectivos de Juan Domingo Perón y el cantante de tango Agustín Magaldi, el primer hombre que «le fue útil» a una joven Eva y quien la lleva a Buenos Aires.^[4]​^[35]​^[36]​

El rodaje, que inició el 8 de febrero de 1996 y concluyó el 30 de mayo del mismo año, se llevó a cabo en Buenos Aires, Budapest y Londres, con un total de ochenta y cuatro días en tres países diferentes y con la participación de más de seiscientas personas del equipo.^[7]​^[15]​ El estreno de Evita tuvo lugar el 14 de diciembre de 1996 en el Shrine Auditorium de Los Ángeles; a este le siguieron Londres, Roma, París, Madrid y Buenos Aires.^[4]​^[7]​ Publicitado como el «evento cinematográfico más esperado del año», la campaña de marketing incluyó productos de indumentaria característicos de los años 1940, como collares de perla, maquillaje, zapatos y prendas de vestir.^[37]​ Madonna fue parte integral de una campaña masiva que incluyó publicidad en revistas de moda que promovían el «look Evita».^[38]​ La película llegó a pocas salas de cine de Los Ángeles y Nueva York como un estreno de plataforma el Día de Navidad; posteriormente, tuvo su lanzamiento a nivel nacional el 10 de enero de 1997 y una semana después en otros países.^[6]​^[39]​^[40]​ En términos generales, recibió reseñas divididas, que variaron desde elogios de la revista Time hasta cero estrellas del Chicago Reader.^[41]​^[42]​ Aspectos como el montaje, la dirección artística, el diseño de vestuario, la música y el reparto secundario recibieron comentarios favorables, mientras que algunos críticos reprocharon la postura imparcial de Parker y consideraron que la historia fracasó porque nunca logró que el público comprendiera a Eva Perón.^[13]​^[43]​^[44]​ La actuación de Madonna fue ampliamente elogiada, en especial por su recreación del personaje y su interpretación musical.^[45]​^[46]​ La opinión generalizada concluyó que podía actuar «tan bien como cantar» e incluso desconcertó a los críticos más severos que habían juzgado su carrera cinematográfica hasta entonces.^[47]​^[48]​

Con un presupuesto de 55 millones USD, fue considerada un «auténtico fenómeno mundial» y se reconoció que, por primera vez en varios años, un musical de Hollywood de gran presupuesto lograra un «éxito rotundo».^[7]​^[37]​ Tuvo una recaudación de 141 millones USD, de las cuales 50 millones fueron en el mercado doméstico, y finalizó como la vigesimotercera película más taquillera de 1996 en el mundo.^[49]​ En la 54.ª edición de los Globos de Oro, ganó en la categoría mejor película de comedia o musical, además de que Madonna se alzó con el premio a la mejor actriz de comedia o musical.^[6]​ Asimismo, recibió un total de cinco nominaciones en la 69.ª entrega anual de los premios Óscar: canción original, dirección de arte, fotografía, montaje y sonido, de las cuales ganó la primera.^[50]​ La National Board of Review la incluyó en su lista de los diez mejores filmes de 1996 y, en general, fue una de las cinco películas nominadas en diversas categorías de entre más de treinta entidades que otorgaron premios ese año.^[7]​ Al evitar el uso de diálogo, Evita se reconoce por haber reinventado el estilo de la opereta y por «mantener vivo» el género musical, que era el objetivo que críticos y observadores le habían atribuido.^[14]​^[51]​ El personaje de Eva Perón se convirtió en uno de los papeles más importantes del cine de los años 1990; incluso Parker afirmó que gran parte del éxito de la cinta se debió a la popularidad de Madonna, lo que permitió introducir el musical a un público nuevo y, a su vez, impulsar la realización de películas posteriores.^[12]​^[51]​ También representó el mayor éxito cinematográfico de la cantante, quien aseguró que estaba «más orgullosa de Evita que de cualquier otra cosa que haya hecho».^[48]​^[52]​^[53]​

Cuando se anunció que Madonna sería la protagonista de la película, uno de los interrogantes más frecuentes fue si tendría el registro vocal necesario para competir con las anteriores interpretaciones de Eva Perón.^[30]​ En el sector musical de Broadway, algunos veían con escepticismo la idea de que cantara las piezas de Rice y Lloyd Webber.^[54]​ De hecho, este último y Parker tenían sus reservas, ya que, si bien era conocida por su serie de éxitos pop, no estaban completamente convencidos de que sus dotes vocales estuvieran a la altura de las canciones del musical.^[55]​^[56]​ Las composiciones de Lloyd Webber requerían un amplio registro, un control absoluto del timbre y cierta capacidad interpretativa, lo cual era notoriamente difícil incluso para artistas experimentados en el teatro musical.^[25]​^[57]​ Hasta entonces, el sonido y estilo operísticos de sus obras no se le habían exigido a Madonna en su carrera discográfica, y Lloyd Webber se mantenía preocupado por su capacidad para cantar las partes «más legítimas» de su partitura.^[28]​^[58]​ Rice salió en su defensa y explicó que su apariencia, personalidad y talento para el canto y el baile la convertían en una Evita más creíble que otras actrices que habían optado por el papel, además de que veía en ella varias similitudes en sus vidas.^[29]​^[56]​ Al final, el entusiasmo contundente de la cantante y sus «sinceras promesas» terminaron de persuadirlos.^[55]​

Ninguno de los proyectos musicales anteriores de Madonna la había preparado del todo para la grabación de Evita, pues nunca había hecho nada similar. Si bien participó en bandas sonoras de películas, en esas ocasiones solía tener un control considerable sobre su contribución. Al ser un musical, el álbum sería fundamental para la película.^[54]​ Recordó: «Cuando me senté con el director musical y escuché todo lo que tenía que aprender, pensé: "Tengo que trabajar con alguien en esto"».^[16]​ Las críticas que recibió por su registro «fino» y el hecho de que no se tuvieran en cuenta los avances que logró a lo largo de sus álbumes alimentaron su entusiasmo por mejorar la calidad y el sonido de su voz.^[59]​ Con ese objetivo en mente, se sometió a un entrenamiento vocal intenso en Nueva York con la profesora Joan Lader, reconocida como una figura respetada y una de las mejores entrenadoras de la industria.^[25]​^[30]​^[52]​ Como nunca había recibido formación formal con una guía, tuvo que empezar de cero incluso antes de que trabajaran en las canciones del material.^[26]​

Durante el entrenamiento, se vio obligada a esforzarse «como nunca antes», en vista de que necesitaba llevar su voz a lugares donde nunca había llegado, por períodos prolongados y con control total.^[60]​^[61]​ Por tal motivo, al principio las clases le resultaron un trabajo arduo porque todos los ejercicios eran demasiado técnicos.^[62]​ Lader le enseñó a controlar el diafragma y a colocar correctamente su voz en lugar de solo cantar desde la garganta, un error común entre muchos cantantes de pop y rock sin formación. Además, aprendió a respirar apropiadamente, mejorar su dicción y proyectar su voz de manera más específica y estructurada.^[25]​^[60]​^[63]​ Madonna estaba decidida a no hacer trampa, especialmente en las notas altas, aunque temía no estar a la altura de LuPone, quien también tomaba clases con Lader.^[60]​^[62]​ Según la profesora: «Era sorprendentemente tímida. Trabajo con artistas uno tras otro, y [ella] sentía que LuPone o Roberta Flack, otra de mis clientas, siempre tenían su oído en la puerta».^[52]​ Al final de cada clase, la dejaba cantar opereta italiana, lo que también influyó en su entrenamiento.^[64]​ Cada noche regresaba entusiasmada y admirada con los sonidos que podía crear, y llamaba emocionada a sus amigos, a quienes les cantaba «a todo volumen».^[60]​ En el transcurso de tres meses, amplió su registro y aprendió la partitura con el supervisor David Caddick, quien trabajó con Lloyd Webber como director musical de sus espectáculos.^[4]​ Además, empezó a desarrollar un acento «esnob y elegante», que Sam Chwat, entrenador de dialecto, describió como «inglés estadounidense clásico». Liz Rosenberg, publicista de la cantante, señaló que el riguroso entrenamiento incidió en su habla.^[65]​

Madonna se percató más tarde de cuán importantes fueron las lecciones porque, una vez que pudo acostumbrarse a utilizar adecuadamente su «herramienta», como la llamaba su profesora, pudo alcanzar notas más agudas que no reconocía y aumentó su confianza al abordar el material.^[39]​^[56]​^[60]​ Tras recibir críticas a lo largo de su carrera por sus limitaciones vocales y poner en duda su capacidad para el teatro musical, estaba «encantada» de descubrir que tenía más capacidad de la que imaginó.^[67]​^[68]​ Comentó: «Me di cuenta de que había toda una parte que no estaba utilizando. Antes, simplemente creía que tenía un registro muy limitado y que iba a sacarle el máximo provecho».^[64]​ En total, dedicó seis meses a perfeccionar su voz bajo la tutela de Lader.^[3]​^[69]​ Caddick sintió que había demostrado «estar rápidamente a la altura» y que su voz tenía ahora una «pureza maravillosa, cristalina, que te obligaba a escuchar».^[1]​ En un comentario similar, Parker expresó que todos habían quedado impresionados por la potencia de su voz: «Lo hizo extraordinariamente bien, considerando que gran parte de esta música se encuentra en un área que su voz nunca había explorado. [...] Estaba seguro de que dejaría a todos boquiabiertos. Al final tuve razón, porque fue sencillamente increíble».^[23]​^[52]​^[70]​

Aunque ya había cantado en Los reyes del mambo (1991) y Desperado (1995), Banderas también trabajó con un entrenador vocal tres días a la semana durante seis semanas para preparar su voz. Su entrenador era el director musical de El fantasma de la ópera, quien viajó desde Nueva York hasta Carolina del Norte, donde la esposa del actor, la actriz Melanie Griffith, trabajaba en un proyecto. También fue a Londres y trabajó una semana y media adicional antes de que comenzara la grabación del material allí. Su formación musical estaba más orientada hacia la música pop, pero al mismo tiempo admiraba la música clásica.^[71]​ Después de Madonna, Banderas tuvo el segundo papel con mayor exigencia vocal y, si bien el canto nunca supuso un problema, su mayor reto fue el idioma, debido a la dificultad de cantar en inglés muy rápido, a una velocidad mayor de la que normalmente hablaba.^[68]​^[72]​ Por su parte, Pryce siempre tuvo afición por la música y, antes de Evita, ya había trabajado en los tres medios del espectáculo —teatro clásico, teatro musical y cine—; según Caddick, «tiene un oído muy natural y su voz realmente suena maravillosa».^[72]​

Dado que se decidió que la película no incluiría diálogos y sería cantada en su totalidad, como una ópera moderna, para Parker lo más importante era que la música «tenía que valer por sí misma, ser tan relevante para el público de hoy como lo fue la obra cuando Lloyd Webber y Rice la concibieron».^[1]​^[66]​ Cuando en mayo de 1995 terminó el primer borrador del guion, que contenía 146 cambios respecto a la partitura y a las letras originales, se lo envió con cierta aprensión a Rice y Lloyd Webber.^[7]​^[15]​ En vista de que «nunca iban a aceptar entregar el control de la obra a otro», cualquier cambio en la música debía ser discutido con los autores y supervisado por ellos, ya que así lo establecía el contrato.^[73]​ En este sentido, no tuvieron participación en la película más que en los aspectos musicales.^[74]​^[75]​ Para el director, habría sido imposible concretar las modificaciones sin que colaboraran: «Mi guion requería más de 140 cambios en la partitura, algo que no les importó hacer siempre y cuando tuviera argumentos lógicos para todo».^[76]​ Al principio, Rice se mostró susceptible y a la defensiva, y cuestionó cualquier modificación. Parker reveló que ambos autores «no son de los que cambian por cambiar, y mi lógica tenía que ser correcta. Claro, es difícil volver atrás y cambiar algo que tiene veinte años. Cualquier escritor tendría dificultades».^[75]​ Lograr reunirlos para reescribir la música según sus especificaciones no le fue fácil, ya que ambos no se llevaban bien y no habían trabajado juntos en años. Por este motivo, esta fue la primera vez en mucho tiempo que estaban en una misma habitación, pero la experiencia fue «más fácil», ya que Parker también estaba presente.^[19]​

Tras largas negociaciones por parte de Parker, los tres se reunieron en casa de Lloyd Webber, en el sur de Francia, y acordaron todos los cambios solicitados por Parker, de los cuales la gran mayoría consistió en abreviar o eliminar piezas respecto a la partitura original.^[77]​ Por ejemplo, se omitió «Dice Are Rolling»/«Eva's Sonnet» —presente en el álbum conceptual— y el recitativo teatral, de carácter «divagante», de la mayor parte del último acto.^[1]​^[7]​^[78]​ Lloyd Webber compuso una orquestación nueva para algunos de los números musicales.^[15]​ Además, Rice modificó muchas letras «abstractas», debido a que sus rimas tenían, según Madonna, «un aire de crucigrama, que sonaban bien, pero no tenían sentido».^[17]​ Un par de versos de la canción «Rainbow Tour», que formaban parte del álbum de Broadway, fueron eliminados debido a que abordaban el desdén de Evita por los británicos y el insulto de tomar el té en algún «castillo de hojalata» (tin pot).^[79]​ También eliminaron gran parte de «The Art of the Possible» y recuperaron «The Lady's Got Potential», incluida originalmente en el álbum, pero excluida de las versiones teatrales.^[6]​^[70]​^[73]​ Rice reescribió por completo la letra de esta última, dado que Parker requería una canción que ilustrara la política argentina anterior a la presidencia de Perón para proyectar lo que sucedía en ese momento en la película.^[4]​

Otro cambio mayor se dio en «Another Suitcase in Another Hall»; en la versión teatral, la canción era interpretada por la amante adolescente de Perón al marcharse luego de que este la echara de su vida.^[40]​^[69]​^[80]​ Sin embargo, en la película, Madonna es quien la canta para subrayar la ruptura de Eva con Agustín Magaldi (Nail) cuando llega a la conclusión de que quiere mejorar su vida.^[40]​^[81]​ Parker tomó esta decisión por dos razones principales: en primer lugar, constituía un error desde un punto de vista dramático, ya que el personaje de la amante no aparece «hasta que la ves cantar la canción y luego no la vuelves a ver», y era «como darle el mejor monólogo a alguien que nadie conoce». En segundo lugar, dado que Madonna también quería cantarla, encajaba mejor en la historia de Eva.^[82]​ Por su parte, la cantante reconoció que la melodía se adaptaba «perfectamente» a su voz y le otorgaba a su personaje una credibilidad que era muy necesaria.^[83]​ En la cinta, Andrea Corr —vocalista de la banda The Corrs— personifica a la joven amante del presidente y solo canta cuatro versos del tema, aunque declaró sentirse afortunada de haber obtenido el papel.^[84]​^[85]​ Rice expresó su disconformidad con el hecho de otorgarle el tema a Madonna. Si bien aclaró que había funcionado bien para la cantante, sintió que eliminaba el hilo de la historia de que Perón usaba a sus amantes y a la gente de la misma forma que Eva, y habría preferido que interpretara una estrofa y luego le diera la canción completa al personaje de la amante. Sin embargo, sus quejas fueron ignoradas, y concluyó que no habría tenido sentido enfadarse por ello: «Dejé que siguieran adelante. [...] Pero la gente hace estos cambios, creo que sienten que tienen que hacerlo para dejar su huella o algo así, supongo».^[5]​

Además de las modificaciones de la partitura original, Parker solicitó a Rice (izquierda) y Lloyd Webber (derecha) que crearan una canción nueva, que se tituló «You Must Love Me».

Además de las modificaciones de la partitura original, Parker notó que no había ninguna canción que enfatizara la relación «extraña y compleja» que Evita mantenía con su esposo, por lo que solicitó a Rice y Lloyd Webber que desarrollaran un tema nuevo.^[19]​^[82]​ En su opinión, era «indispensable» para mantener el ritmo del filme,^[66]​ aunque la idea también surgió para que la película tuviera material nuevo y pudiera optar a una nominación en los premios de la Academia.^[19]​^[86]​^[87]​ Como con la partitura original de Evita, la música siempre era lo primero; así, Lloyd Webber compuso la melodía en el piano, pero, tras varias semanas, Rice aún no había escrito la letra y las sesiones de grabación de la banda sonora estaban a punto de comenzar.^[4]​ Ante el retraso, Parker y Madonna empezaron a desarrollar algunas estrofas, aunque a Lloyd Webber y Rice les «horrorizó tanto» lo que estaban haciendo que eso incitó a este último a escribir la letra; de hecho, consideró que lo que habían hecho hasta el momento era «completamente absurdo e infantil».^[82]​

El resultado de la composición fue «You Must Love Me», la primera colaboración de Rice y Lloyd Webber tras diez años de separación creativa.^[88]​^[89]​ Para los compositores, quienes confiaron en que el tema mejoraría la última parte de la película, el principal propósito fue mostrar el estado emocional de Eva en sus últimos momentos de vida; en este sentido, era necesario que reflejara sus pensamientos mientras asimilaba y comprendía el hecho de que iba a morir.^[5]​^[90]​ Aunque Madonna intentó cambiar la letra para mostrar una representación más comprensiva del personaje, no tuvo éxito.^[29]​^[91]​ Aun así, la calificó como «sencillamente hermosa» y su canción favorita.^[88]​ En su opinión, mostraba la faceta «que realmente amaba a Perón, [lo que] añade una dimensión a su amor, en lugar de la simple idea de dos personas que se utilizan mutuamente».^[17]​^[62]​

«You Must Love Me» figuró en reemplazo de «Dice Are Rolling»/«Eva's Sonnet», que previamente se acordó eliminarla, y pasó a ser, después de «Don't Cry for Me Argentina», la canción más emblemática del filme.^[61]​^[92]​ Parker mencionó que adaptar las canciones al guion resultó mucho más fácil que lograr que compusieran un tema nuevo, que era lo más importante para él, «pero gracias a mi enorme perseverancia compusieron "You Must Love Me"».^[93]​ Cuando se le preguntó si volvería a trabajar con Rice, Lloyd Webber respondió que simplemente no iba a suceder: «No creo que, al fin y al cabo, desee desesperadamente que vuelva a trabajar con él, y es mejor dejarlo así».^[74]​

En septiembre de 1995, Madonna, Banderas, Pryce y Nail comenzaron los ensayos de las grabaciones con Parker y el supervisor musical David Caddick en Londres.^[4]​ El lugar —elegido por el director— fue el primer piso de un viejo almacén en King's Cross, descrito como «sombrío y nada glamuroso», que incluía una sala «cavernosa» con un techo abovedado alto y un piano en el centro.^[95]​ La artista se sentía segura de que su interpretación estaría a la altura;^[60]​^[63]​ en cambio, Nail describió su primer día como «angustiante» debido a la sensación intimidante de estar reunido por primera vez con Parker, Caddick y sus compañeros de elenco en una misma sala.^[95]​ Memorizó sus propias canciones y cantó «sin cesar» para estar vocalmente preparado y poder afrontar cualquier reto.^[95]​ En el primer día, todos se reunieron alrededor del piano y se turnaron para cantar, mientras Caddick los guiaba a través de los distintos pasajes; al finalizar la primera sesión, el actor disfrutó de la experiencia de estar «en tan buena compañía» y de no haber «decepcionado ni a nadie ni a mí mismo».^[94]​

Madonna describió los ensayos como un proceso extraño y largo.^[96]​ Primero practicaban las escenas repetidas veces en una misma sala para perfeccionar la fisicidad y la intensidad emocional. Posteriormente, a cada uno los separaban en cabinas de aislamiento, aunque podían verse a través del plexiglás, y continuaban interpretando las escenas.^[16]​^[96]​ Este método fue frustrante al principio porque debían tomar decisiones sin haber iniciado la filmación.^[96]​^[97]​ Cuando aún no se decidían, realizaban distintas versiones de las canciones —más potentes y dramáticas o más sutiles y contenidas— hasta que Parker elegía la toma que prefería y que luego visualizaría en la filmación.^[16]​^[52]​^[96]​ Madonna estaba tan decidida a captar la esencia de Eva Perón y que todo fuera «lo más real posible» que insistía en representar cada escena mientras cantaba.^[66]​^[98]​ En una ocasión guiaba a Nail por la habitación mientras imitaba los gestos de la escena y cantaban con micrófonos de mano, y en otra lo golpeó con una maleta «vieja y destartalada».^[4]​^[98]​^[99]​ El actor recordó que, al final de la semana, le había salido un moretón azul que le recorrió todo el brazo izquierdo; más tarde, ella le afirmó entre risas que había sido a propósito.^[99]​ Con los días, los actores se sintieron menos tensos y lograron «romper el hielo».^[99]​

Además de los estudios CTS y Whitfield Street, las sesiones de grabación de la banda sonora de Evita tuvieron lugar en Metropolis (arriba), EMI Abbey Road (centro) y Olympic (abajo).

La producción de la banda sonora estuvo a cargo de Parker, Lloyd Webber, Nigel Wright y el supervisor musical David Caddick.^[100]​^[101]​^[102]​^{[nota 2]}​ Tras los ensayos con el reparto, las grabaciones comenzaron el 2 de octubre de 1995 en los CTS Studios de Londres,^[15]​^[109]​ además de EMI Abbey Road, Metropolis, Olympic y Whitfield Street Studios. Durante las sesiones participaron numerosos músicos, incluidos: Pete Adams, Keith Fairbairn, Paul Keogh, Gary Moore, Steve Pearce, Courtney Pine y Ralph Salmins.^[101]​^[102]​ El pianista argentino Fernando Marzan, el compositor estadounidense Freddie Ravel y los islandeses Gunnlaugur Briem y Friðrik Karlsson también colaboraron.^[110]​^[111]​^[112]​

Parker y Caddick sabían que el cine no funcionaría con actores gritando a todo pulmón sin que sonara «abrumador», por lo que optaron por un tono más «conversacional» y ajustaron los registros de cada actor a un tono más grave; así, el rango se situaba a un nivel más cercano al habla natural.^[1]​^[62]​^[72]​ El proceso era gradual: primero aprendían las notas sin asociarles ninguna emoción y, una vez dominada la música, interpretaban con naturalidad, como en un diálogo hablado.^[72]​ Para Caddick, el objetivo era que el público olvidara que los actores estaban cantando, mientras que Wright indicó que la intensidad se reservó para los números principales y los pasajes intermedios se interpretaron de forma conversacional.^[72]​^[113]​ Como la película está cantada de principio a fin, las grabaciones previas eran necesarias para que los actores sincronizaran los labios en la filmación y se evitaran problemas de sonido en las escenas rodadas en exteriores.^[96]​^[97]​ Tal como sucedió durante los ensayos, Parker sabía que cualquier decisión que se tomara en el estudio debía ser la misma que si se estuviera rodando una película normal.^[7]​^[62]​ Consciente de ello, se sentaba cada día con el guion en mano y respondía a las consultas de los actores.^[4]​^{[nota 3]}​

Las canciones requerían una sensibilidad vocal distinta a lo que acostumbraba Madonna, quien declaró que la música de Lloyd Webber no era fácil y que algunas piezas le parecieron imposibles de cantar.^[56]​^[97]​^[114]​ Por este motivo, gran parte de la partitura original se modificó a una tonalidad más baja para adecuarla a su registro, decisión que fue cuestionada por Rice.^[24]​^[27]​^[115]​ La artista adoptó un enfoque distinto al de otras intérpretes de Eva Perón, más realista y humano, y en lugar de imitar a las otras actrices, optó por interpretarlo a su manera.^[116]​ Además, ajustó su tono al contexto cinematográfico y a las indicaciones de Parker.^[113]​^[117]​ El estudio le ofrecía la comodidad de no proyectar su voz como en el teatro y pudo transmitir vulnerabilidad gracias a la fragilidad y delicadeza de su registro.^[67]​

Las grabaciones fueron difíciles al inicio, ya que muchos miembros del reparto estaban fuera de su zona de confort, y Madonna explicó que corrieron un «gran riesgo» al registrar el material antes de filmar.^[16]​^[26]​ El director recordó los primeros días como un periodo de inquietud y nerviosismo, pues todos provenían de ámbitos distintos.^[39]​ La parte más complicada fue «intentar ser fieles al momento» y mantener la coherencia entre la música y lo que se filmaría más adelante.^[62]​^[113]​^[118]​ Acostumbrada a controlar todos los aspectos musicales de sus discos, Madonna debió ceder las decisiones en el estudio.^[3]​ Para ella, intentar estar lo más cerca posible de la emoción del personaje fue la tarea más ardua.^[119]​ En cuanto a Banderas, grabar antes de rodar fue «bastante intimidante» dada su poca experiencia cantando y porque debía dramatizar diecisiete canciones ya fijadas.^[32]​^[71]​^[120]​ Pese a ello, la grabación le permitió modular su voz para dotar a su personaje de los elementos de «cinismo, ironía y lirismo».^[34]​ Las sesiones se prolongaron hasta la Navidad de 1995.^[121]​ El equipo trabajó siete días a la semana durante cuatro meses para preparar las cuarenta y nueve secciones musicales necesarias para el set. En total, entre ensayos y grabación, dedicaron entre cuatrocientas y quinientas horas.^[7]​^[39]​^[122]​ Parker afirmó que registrar toda la música antes de filmar fue «como hacer dos películas», aunque concluyó que «nos hemos inspirado mutuamente para crear algo muy especial».^[1]​^[76]​

Las primeras sesiones se iniciaron con Lloyd Webber, Parker y Caddick, quien dirigió, supervisó y coprodujo la banda sonora.^[123]​ Trabajar en un estudio debería haber ayudado a Madonna a familiarizarse con el proyecto, pero su primer día fue «desconcertante» y más difícil de lo previsto.^[25]​^[63]​ A pesar de meses de preparación, los nervios y un ambiente desconocido e incómodo impidieron un buen desempeño.^[25]​^[114]​ Caddick sugirió grabar «Don't Cry for Me Argentina» —la pieza más difícil y exigente— con una orquesta de 84 músicos y frente a Lloyd Webber.^[15]​^[63]​^[124]​ Sin embargo, la cantante se sintió «aterrorizada» por las expectativas, y la tensión era tan palpable e intimidante que le fue difícil cantar.^[39]​^[91]​^[116]​ En su opinión, fue un «completo desastre» y después lloró al creer que había cantado «espantoso».^[39]​ Lloyd Webber expresó su «profundo descontento» con la orquesta, el ingeniero, el director y la interpretación «frenética y dispersa» de Madonna.^[4]​^[15]​^[116]​ Por su parte, Parker llamó a ese día el «lunes Negro» por lo mal que salió.^[4]​ Esa noche, él y Lloyd Webber se reunieron en la habitación de hotel de Madonna, donde decidieron despedir a la orquesta y contratar otros músicos y un nuevo director. La cantante grabaría con Parker y Caddick en Whitfield Street Studios —un estudio más contemporáneo— por las tardes y día por medio para reducir la presión y cuidar su voz.^[4]​^[125]​ Aun así, el proceso fue arduo y laborioso, y admitió haber tenido «crisis nerviosas» por el miedo a que la despidieran.^[91]​^[125]​^[126]​ Con el tiempo, el equipo entabló una buena relación y pudo adaptarse al trabajo y al entorno.^[127]​ Nail afirmó que mucha responsabilidad recayó en ella, quien debió hacer «cosas tremendamente difíciles» y «las superó como una verdadera profesional».^[99]​^[128]​

Lloyd Webber orquestó la banda sonora con arreglos adicionales de David Cullen.^[102]​ John Mauceri fue contratado como nuevo director, con Caddick y Mike Dixon como directores adicionales.^[102]​^[130]​ Acostumbrada a pistas pregrabadas y una banda de pop rock, era la primera vez que Madonna actuaba con una orquesta completa en vivo.^[131]​^[132]​ Mauceri cantaba la línea melódica para que ella la memorizara, y luego continuaba cantando por su cuenta.^[132]​ Al final de la primera semana, lograron la «mejor sesión orquestal» que habían hecho, y Mauceri pudo dirigir a un elenco de los «mejores músicos de Londres».^[4]​^[75]​ Parker aseguró que el recuerdo del «lunes Negro» había quedado en el olvido.^[4]​ Mauceri definió a Madonna como una «gran profesional que trabaja duro», y Lloyd Webber y Parker también quedaron impresionados por su dedicación, aunque ella definió la experiencia como «humillante».^[22]​^[52]​^[132]​

Whitfield Street tenía consolas Neve VR y un estudio más pequeño donde grabó la mayor parte de sus voces, en un ambiente más acogedor.^[133]​ Allí, Madonna a veces atenuaba las luces y encendía velas para crear una atmósfera etérea que la ayudara a conectar con las emociones de Evita.^[52]​ Según Banderas, era meticulosa en la preparación del estudio, ya que intentaba crear un ambiente especial.^[134]​ El uso de estas velas generó un desacuerdo con Nail que derivó en una discusión verbal. Parker intervino y pidió a ambos que se retiraran unos minutos; poco después, regresaron al estudio y reanudaron la sesión con normalidad. Nail dijo que algunas grabaciones a dúo fueron «estresantes» y que no le gustaba la «adoración obsequiosa» que varios del personal mostraban hacia la artista, pero también señaló que las sesiones llegaron a ser «geniales» y que, al cantar juntos, «nos divertimos mucho».^[135]​^[136]​

La música se construía en distintas «capas»: algunas sesiones eran con una orquesta de ochenta músicos; otras, con una sección rítmica de solo cinco o seis personas. Después se grababan las voces bajo la dirección de Parker, a veces en un «proceso de experimentación».^[72]​ Los vocalistas solían cantar primero con la orquesta o banda rítmica para capturar el tempo de cada pieza y luego perfeccionaban las voces con Parker y Caddick en Whitfield Street.^[1]​^[98]​ Como Mauceri había dirigido «Don't Cry for Me Argentina» y gran parte de la partitura, Mike Dixon dirigió lo restante —aproximadamente un tercio— en dos sábados consecutivos en Abbey Road. Madonna grabó sus voces en Whitfield con Caddick y luego se añadió la orquesta encima.^[137]​ En su segundo día, cuando debían grabar la secuencia de «Eva's Final Broadcast», no había pista de click (click track) que sincronizara todo, sino un piano de guía y la voz de Madonna. A la orquesta no se le permitió escucharla, así que Dixon creó un click de seguridad justo antes de su llegada.^[137]​

Nigel Wright, productor de pop y música clásica, fue otro de los responsables de supervisar la banda sonora. Lloyd Webber le entregó la música original y Parker el guion y sus ideas sobre las escenas. Con ese material, produjo en su propio estudio varias canciones —incluida «The Lady's Got Potential»—, para lo cual utilizó teclados, guitarras y baterías superpuestas, y la maqueta se mantuvo después para la película.^[133]​ Luego trabajó con la sección rítmica para afinar los tempos y, mientras Madonna grababa las voces en Whitfield Street, empleó el tiempo restante para preparar las pistas adicionales necesarias.^[4]​^[125]​^[113]​ Basándose en las grabaciones del musical y en el libreto de Parker, que conservaba la estructura original del álbum conceptual, mantuvo una sección rítmica de seis músicos a la vez que él y Lloyd Webber desarrollaban arreglos más contemporáneos. No se usaron secuenciadores y apenas algunos sintetizadores, dado que se había prometido un sonido «99 % acústico», pero se enfatizó el carácter de cada tema con un «estilo roquero» en las partes de rock y un «toque latino» en las secciones latinas. Sobre su trabajo con Parker, explicó que discutían cada escena con la sección rítmica, probaban versiones ya grabadas y luego los músicos bajaban al estudio para trabajar. El director intervenía poco, pero Wright sabía cuándo iban en la dirección correcta; en cambio, si caminaba de un lado a otro por la sala, significaba que no estaba conforme. Además, ajustaba la cantidad de compases necesarios para cada entrada y salida, según lo que Parker había calculado mentalmente para cada escena.^[133]​

Madonna trabajó con su ingeniero de sonido de Los Ángeles, Dave Reitzas, especialista en manipulación de voces, quien participó en toda la grabación y en la mezcla.^[133]​^[135]​ Previamente, había colaborado en Something to Remember (1995), el último proyecto de la cantante editado antes de Evita.^[138]​^[139]​ Reitzas afirmó que su trabajo consistió en llevar las voces «al máximo nivel posible» para que sonaran como si estuvieran grabadas en una sola toma. Para ello, utilizó la grabadora digital Sony 3348, ya que le permitía hacer ajustes en milisegundos sin salir del sistema. El medio fue digital de 48 pistas y empleó un micrófono Neumann U47 con una cadena de grabación específica que también se aplicó a las demás voces. Madonna grabó sus partes en una cabina y todo transcurrió según lo previsto. Para «Lament», la última canción que representa el lecho de muerte de Eva, Reitzas pidió dos sofás grandes, mantas, el micrófono U 47 al lado, osciloscopios y una bolsa plástica conectada «como si fuera un goteo de morfina». Con ello, armó una atmósfera para que se asemejara a ese momento de la película, donde el personaje permanece postrado; al cantar acostada, «sonaba perfecta» para la escena. Según el ingeniero, esa es la toma que se escucha en el álbum, mientras que en la película usaron su actuación en vivo. Con Reitzas, Madonna pasó cerca de un mes grabando las voces.^[133]​

La irlandesa Alex Sharpe y el inglés Gary Brooker participaron durante las sesiones de grabación de la banda sonora.

El coro se grabó en la sala principal de CTS, con cien personas el primer día y luego grupos de distintos tamaños. La sesión más grande se dispuso en una formación «alada» y se grabó en ocho pistas, con micrófonos Neumann U67, M49 y AKG C12 distribuidos por la sala. Reitzas debía guiarse por sus instintos para juzgar el entorno y decidir la mejor combinación de micrófonos, probándolos antes de cada sesión y asegurándose de que estuvieran en buen estado. Los coros reducidos —de cuatro hombres, ocho mujeres o grupos de veinte o treinta— se grabaron de manera similar: escuchar el sonido, colocar micrófonos y grabar. El tamaño y tipo de formación dependía de Parker según la escena que debía representarse.^[133]​ Las irlandesas Alex Sharpe y Angeline Ball participaron en los coros, aunque Sharpe no aparece en la película.^[140]​^[141]​ Ball, que había trabajado con Parker en The Commitments (1991), comentó que no pudo conocer a Madonna porque ya había grabado la semana anterior.^[142]​ Otros vocalistas que participaron fueron Gary Brooker, Peter Polycarpou, John Gower, Julian Littman, Laura Pallas, Julia Worsley, Lorenza Johnson, Andrew Wood-Mitchell, Mark Ryan, Gordon Neville, Frederick Warder, Linda Taylor, Nick Holder y George Little.^[101]​^[102]​

Dick Lewzey supervisó las sesiones orquestales y, en las ocasiones en que se grabaron al mismo tiempo los metales y las voces, él se encargaba de los primeros y Reitzas de las segundas. Ambos trabajaron con una consola Neve Capricorn: Lewzey usó sus funciones internas y Reitzas su propio equipo, como la cadena vocal y los altavoces Genelec. De hecho, estos proporcionaron una consistencia sonora entre Whitfield Street, CTS y Metropolis, donde se hicieron más sobregrabaciones, también con una consola Neve. Reitzas señaló que, incluso una semana antes de terminar la mezcla, todavía se grababan partes orquestales, y que gran parte del trabajo del año anterior fue realizado por ingenieros como Robin Sellars, mientras él se ocupaba de las voces con Madonna.^[133]​

Aproximadamente el 75 % de la grabación tuvo lugar entre octubre y diciembre de 1995, cuando Wright preparó una mezcla preliminar en CD y disco duro que fue llevado a Argentina para que los actores sincronizaran los labios durante el rodaje. Si podían grabar en vivo, el director musical tocaba los teclados a través de un auricular. Entre mayo y junio de 1996, todo ese material regresó al equipo para ensamblar las voces en vivo con la música ya grabada y completar lo pendiente. Aunque el productor se encontró con la misma estructura de las canciones después de la filmación, había lagunas que debían rellenarse, por lo que dedicaron dos días a ver el montaje editado en California antes de que él regresara a Londres para dos semanas de sesiones de sobregrabaciones con la sección rítmica y la orquesta. Lloyd Webber compuso unos veinte minutos adicionales de música incidental que se integró después. Wright describió la supervisión simultánea del álbum y la mezcla entre Londres y Los Ángeles como una «pesadilla logística».^[133]​

Como la mezcla debía hacerse rápido, Reitzas regresó a Whitfield Street para recopilar dos cintas maestras a partir de cintas secundarias correspondientes a voces, coro, metales y ritmo, y luego combinó cuarenta pistas de coro en seis. Cada caja incluía marcadores de sincronización para reconstruir o retroceder cualquier parte del proyecto. Reitzas mezcló las canciones y luego creó stems en más de treinta pistas.^[133]​ Los últimos retoques se hicieron en septiembre de 1996 en Larrabee North (Los Ángeles), donde empleó las consolas SSL 9000 serie J; las salas del estudio se mantuvieron cerradas durante varias semanas para esta etapa.^[143]​^[144]​ Debido al volumen de trabajo, debió alternar entre dos salas para mantenerse, algo que consideró «abrumador». Su mayor desafío era organizar todo para que Madonna pudiera escuchar «cuatro temas en vez de solo uno».^[133]​ Aunque no compuso ni produjo la banda sonora, la cantante fue acreditada por primera vez como otra de las responsables de la mezcla.^[98]​^[145]​

En septiembre de 1996, el mezclador Andy Nelson comenzó la posproducción con el material ya finalizado por Wright y Reitzas. Dispuso de copias digitales de 48 pistas que mantenían el balance del álbum y permitían separar cada instrumento, lo que le ayudó a identificar cómo debía integrarse la voz de Madonna. A partir de eso, mezcló en función de las imágenes de la película en las instalaciones de Todd-AO West (Santa Mónica); según explicó, trabajar en una sala con dimensiones similares a las de un cine modificaba notablemente la percepción visual y auditiva. Durante tres semanas revisó cada número musical utilizando una consola Otari Premier y tres grabadoras Magnatech para reducir todo el material de cuarenta y ocho a dieciocho pistas, adecuadas al formato de imagen de la película. También ajustó con precisión el balance con tres altavoces frontales, sonido envolvente estéreo y un canal LFE para elementos como la percusión pesada. Al mismo tiempo, la mezcladora Anna Behlmer pasó dos semanas en un plató contiguo preparando la premezcla de los efectos de sonido. Juntos realizaron los últimos ajustes antes de trasladar las premezclas a Londres, donde completaron la etapa final en los estudios Twickenham.^[133]​ La masterización, a cargo de Dave Collins, se llevó a cabo en la sala principal de los A&M Recording Studios, ubicados en Hollywood.^[146]​

La banda sonora combina melodías tradicionales de Broadway con operetas al estilo de Gilbert y Sullivan (arriba) —como en «Peron's Latest Flame»— y pasajes que remiten al álbum Tommy (1969) de The Who (abajo), como en «Oh What a Circus».^[147]​

En términos generales, la banda sonora de Evita pertenece principalmente al género ópera rock, denominación que solía aplicarse a los musicales de Broadway, cuyo auge se dio en la década de 1970 con álbumes como Tommy (1969) de The Who y Jesus Chris Superstar de Rice y Lloyd Webber.^[98]​^[148]​ El material se mantiene bastante fiel al álbum original y conserva la «grandiosidad» característica de las versiones teatrales, con coros, arreglos orquestales y un trabajo vocal elaborado.^[148]​^[149]​ No obstante, la producción —descrita como «ecléctica»— también abarca otros estilos que van desde el rock, el pop y el jazz latino hasta la ópera, la balada y el vals, y mezcla eficazmente las emociones para ambientar las escenas.^[150]​^[151]​^[152]​ Además, parte de los arreglos fue actualizada para otorgarle un sonido más moderno, contemporáneo, «dramático» y «universal».^[66]​^[153]​^[154]​ Esta diferencia se percibe particularmente en las referencias latinas —guitarras españolas— presentes en canciones como «Oh What a Circus» y «On This Night of a Thousand Stars», así como en la incorporación de melodías con ritmos de tango compuestas por Lloyd Webber.^[148]​^[155]​^{[nota 4]}​ También destacan guitarras eléctricas en «Requiem for Evita» y «The Lady's Got Potential», esta última reincorporada con letras nuevas.^[115]​

El material combina melodías tradicionales de Broadway con operetas al estilo de Gilbert y Sullivan —como en «Peron's Latest Flame»—, pasajes que remiten a Tommy (1969) de The Who —en «Oh What a Circus»— y repeticiones de la pieza principal «Don't Cry for Me Argentina».^[147]​ Asimismo, introduce pasajes sutiles de rock and roll, un recurso que Lloyd Webber ya había empleado en Jesus Christ Superstar, en temas como «And the Money Kept Rolling In (and Out)», interpretado por Banderas.^[150]​ Según el autor Rikky Rooksby, el disco abarca una pequeña variedad de estilos que, en su mayoría, funcionan como pastiches, donde las influencias latinoamericanas se combinan con la composición orquestal y con secciones de batería y guitarras de rock.^[156]​ El primer tercio del álbum presenta números de hard rock que abordan la vida de Eva en Buenos Aires antes de casarse con Perón.^[157]​ Aquí también se destaca el uso característico de solos de saxofón. Más adelante, la serie de canciones de «victoria» en la sección media abarca desde «High Flying, Adored» hasta «Rainbow Tour».^[157]​ A nivel estructural, la banda sonora se organiza en arias, duetos, tríos y coros, y reformula la tradición del melodrama europeo del siglo XIX mediante una escritura «grandilocuente» y una carga dramática intensa.^[158]​

La producción fue objeto de análisis por parte de algunos críticos. El periódico Sun Sentinel señaló que había enfoques musicales e interpretativos ligeramente diferentes respecto de la obra teatral, que consideró más oscura y seria tanto en sonido como en perspectiva; por contraste, la banda sonora era más animada, con influencias notorias del rock.^[159]​ En este aspecto, modera los crescendos excesivos de la partitura original y aumenta su intimidad mediante el acompañamiento del piano, el arpa, el violonchelo, el fagot y otros instrumentos.^[145]​ El mismo periódico destacó que, gracias a las nuevas orquestaciones de Lloyd Webber y Cullen —descritas como «más suaves»— las letras de Rice podían escucharse «con total claridad».^[145]​ En la misma línea, un redactor de Manila Standard observó que estas nuevas orquestaciones aportaban una dimensión más cinematográfica que las de las grabaciones de elencos teatrales.^[117]​ La biógrafa Caroline Sullivan observó que, aunque algunos temas eran relativamente pegadizos y de interpretación conversacional, otros —más densos y lentos— eran piezas «sombrías» que necesitaban el elemento visual para cobrar vida.^[98]​ Patti Hartigan, del Tampa Bay Times, notó que en «Buenos Aires» y otras partes del álbum la música adquiría un ritmo insistente que no era tan perceptible en las producciones de Londres y Broadway.^[69]​ Según la autora Lucy O'Brien, el resultado final era una combinación «perfecta» de teatro musical entusiasta, pop y musicalidad competente.^[91]​

Desde un punto de vista técnico, Evita se diferencia notablemente de los discos de Madonna y representó su proyecto más desafiante, incluso más que las melodías exigentes de Stephen Sondheim que interpretó en la película Dick Tracy (1990).^[118]​^[156]​ En opinión de Peter Piatkowski, de PopMatters, en una carrera marcada por una serie de transformaciones musicales, el trabajo de Madonna en Evita representó tanto su faceta más extrema como la más conservadora.^[67]​ A diferencia de los estilos en los que la cantante había trabajado, este tipo de musical popular emplea la técnica clásica del desarrollo: un compositor toma un tema —una melodía o una frase distintiva— y lo presenta en una variedad de contextos, tonalidades y tempos.^[156]​ En Evita, el tema central es el aria «Don't Cry for Me Argentina», que recorre toda la composición y aparece desde «Oh What a Circus» —un dúo entre el narrador y Evita—, hasta las escenas del balcón y la secuencia final que acompaña la muerte del personaje.^[158]​ Según el autor italiano Giuseppe Rausa, la segunda pieza más importante es el dueto «I'd Be Surprisingly Good for You», cuya línea vocal confiere a la obra una «ligereza irresistible y una cualidad etérea»; los números del álbum se desarrollan en torno a estas dos piezas principales.^[158]​

La tesitura de Antonio Banderas (izquierda) se inclina hacia el tenor en piezas como «And the Money Kept Rolling In». El rango barítono de Jonathan Pryce (derecha), por su parte, fue calificado como «muy paternal» y adecuado a las emociones del personaje.^[160]​

Evita se centra principalmente en Madonna, cuya interpretación ha sido considerada el punto culminante de su metamorfosis vocal.^[58]​^[161]​ Aquí, la artista explora por primera vez el teatro musical y su voz se destaca por alcanzar notas más altas que en sus trabajos anteriores.^[162]​^[163]​ En canciones específicas, emplea registros distintos; por ejemplo, utiliza un registro de contralto en «Don't Cry for Me Argentina» y uno más agudo en «The Actress Hasn't Learned the Lines», y en ocasiones adopta un tono pop que remite a los primeros días de su carrera.^[160]​ Además, interpreta baladas vulnerables «con delicadeza», como «Another Suitcase in Another Hall» y «se entrega con ímpetu» en otros números más animados, como «Rainbow High».^[150]​ El crítico Greg Kot notó que su tono tenía una «dulzura más plena y rica en el registro agudo, y un estilo oscuro y brillante en los tonos medios y graves». Si bien estas cualidades ya habían empezado a surgir en discos anteriores como Like a Prayer (1989), son más evidentes en Evita.^[58]​ A lo largo de todo el material, su interpretación abarca un amplio abanico de emociones —ambición e ira, anhelo y deseo, rebeldía y desesperación— que acompañan el arco narrativo de Eva Perón.^[69]​

Madonna adopta distintos estilos vocales para reflejar la evolución de su personaje: comienza como una joven «ambiciosa y trepadora social» y culmina reflexionando con sutileza sobre el «poder, la devoción y el culto a la personalidad».^[164]​^[165]​ En algunos pasajes, su voz adquiere una cualidad infantil, aunque fingida, como en «Buenos Aires», una de las primeras canciones del material, donde recurre a una voz «quejumbrosa» que fue comparada con su sencillo «Holiday» (1983).^[165]​^[166]​ Más adelante, utiliza ese sonido puro, «casi desecado», para evocar la figura venerada por el pueblo, como en «A New Argentina» y «Don't Cry For Me Argentina», donde se muestra «fuerte, enérgica y en la cima del mundo».^[165]​^[166]​ En ciertos momentos recurre brevemente al sonido «más terrenal del rock» característico de sus presentaciones en vivo, recurso con el que representa el lado más salvaje y ambicioso de Eva.^[165]​ El final del dueto «Waltz for Eva and Che» marca el inicio de la transición hacia un registro intencionalmente débil a medida que Eva se aproxima a la muerte.^[157]​ Hacia el final, con «You Must Love Me» y «Lament», su voz se quiebra debido a la enfermedad de su personaje y hay un retorno a su inocencia.^[166]​ Según Greg Kot, en contraste con Patti LuPone, quien mostró una precisión «fría» y un tono seguro en el musical, Madonna aportaba una vulnerabilidad «desgarradora y quebrada», y alternaba cada paso del ascenso de su personaje entre lo dulce y lo calculador, lo melancólico y lo áspero.^[58]​ Para Laurie Winer, de Los Angeles Times, la Evita de Madonna era «tímida, reservada y etérea».^[154]​

Los otros vocalistas principales de Evita son Antonio Banderas, Jonathan Pryce y Jimmy Nail.^[148]​^[156]​ Banderas canta con menos controversia que su personaje del Che, pero aporta «gran convicción» a su interpretación.^[166]​ Su tesitura se inclina hacia el tenor en piezas como «And the Money Kept Rolling In», aunque en ocasiones susurra y se acerca más al estilo de Julio Iglesias.^[154]​^[160]​ Pryce, por su parte, ofrece un Perón «sólido y seguro».^[166]​ Su rango barítono fue calificado como «muy paternal» y adecuado a las emociones del personaje.^[160]​ De acuerdo con Parker, dada su trayectoria en el clasicismo británico, Pryce elaboró su interpretación dentro de un registro muy controlado, delicado y medido.^[73]​ Según Patti Hartigan, las voces de Madonna, Banderas y Pryce «insuflan» una resonancia contemporánea al pastiche musical de 1976.^[69]​

El álbum narra la historia del ascenso y caída de Eva Perón: desde sus orígenes humildes hasta su gran popularidad, la posterior pérdida de prestigio y su transformación en leyenda.^[156]​ De acuerdo con Giuseppe Rausa, la narración sigue la clásica estructura literaria y cinematográfica de ascenso-apogeo-caída, que concluye con la agonía y muerte de la protagonista en un clima de conmoción generalizada, un modelo que recuerda a La traviata, de Giuseppe Verdi.^[158]​ Las primeras canciones, más animadas, guían al oyente a través de los primeros años de vida del personaje: entre la imagen de «prostituta», su carrera como actriz y el encuentro con Perón. El siguiente grupo de temas, más moderado, incluye el clásico «Don't Cry for Me Argentina» y abarca su ascenso a la fama hasta su fallecimiento.^[10]​^[152]​

En conjunto, las letras desarrollan temas que se entrelazan a lo largo de la historia, entre ellos la superación de las circunstancias personales, el vacío de la fama y la fortuna, la necesidad de respetar a los demás sin importar su posición social y los peligros de la ambición egoísta.^[167]​ Como una pequeña epopeya, cada canción evoca un momento de la vida de Eva Perón; por ejemplo, «Buenos Aires» trata sobre el encuentro del personaje principal con la gran ciudad, mientras que «Peron's Latest Flame» narra la «caída del mito».^[168]​ Por tal motivo, a excepción de «Another Suitcase in Another Hall» y «Don't Cry for Me Argentina», interpretadas por Madonna, las demás pistas no funcionan como piezas independientes fuera del contexto argumental.^[169]​ John Mundy, en el libro The British Musical Film (2007), señaló que algunas canciones como «Another Suitcase in Another Hall» y «I'd Be Surprisingly Good for You» sirven para vincular la fragilidad personal de Eva Perón con su ambición política.^[170]​

Bob Smithouser y Bob Waliszewski, en Chart Watch (1998), señalaron que la protagonista era caracterizada como «promiscua» en varios temas del disco por utilizar el sexo para avanzar en su carrera; citaron como ejemplo «Goodnight and Thank You», que insiste de manera cínica en que todos los amantes buscan oportunidades para manipularse mutuamente.^[167]​ Por otro lado, Rikky Rooksby analizó que varias líneas de algunas canciones resonaban de forma evidente con aspectos de la vida de Madonna, por lo que no era difícil comprender que la cantante estuviera atraída por el papel y convencida de que el personaje estaba hecho para ella.^[156]​ Sin embargo, también señaló que la historia —desprovista, según él, de una dimensión política real— era «vulgar y pretenciosa», al presentar a una mujer que se convierte en un «monstruo de vanidad y orgullo, por quien resulta difícil sentir simpatía». Además, observó que la combinación de dos grandes egos femeninos resultaba en ocasiones «abrumadora».^[156]​

El disco uno del álbum doble comienza con una obertura «grandilocuente», titulada «A Cinema in Buenos Aires, July 26, 1952», a la que sigue un canto fúnebre barroco («Requiem for Evita»); este último, descrito como «conmovedoramente sombrío», se interrumpe con cuatro minutos de una guitarra eléctrica ensordecedora, que culmina con el coro lúgubre que lamenta la muerte de Eva Perón.^[67]​^[98]​^[168]​ A continuación, la primera canción vocal, «Oh What a Circus», funciona como un número «minimalista» de pop latino con influencias de tango, flamenco y new age. Destacan instrumentos como una percusión latina y guitarras rasgueadas que se orquestan con las voces en una sinfonía «convenientemente globalizada».^[67]​^[168]​^[171]​ Se trata de una especie de introducción general al conjunto, en la que se incorpora la melodía principal de «Don't Cry for Me Argentina» de diversas maneras, por lo que constituye principalmente una versión acelerada de esta última. Hay varias guitarras españolas que contribuyen a crear la atmósfera, mientras Banderas toma la voz principal.^[169]​ La letra repasa la historia de Eva Perón tras su funeral, desde la perspectiva de que su vida ha sido un circo; Banderas pronuncia la frase She didn't say much, but she said it loud («No decía mucho, pero lo decía con fuerza»). A mitad del tema aparece un coro y, posteriormente, la letra sostiene que Eva ha defraudado a su pueblo. Se produce un cambio repentino de ritmo y tempo hacia un pasaje de rock, con algunos glissandos de piano descendentes. El coro regresa casi sin acompañamiento hacia el final, nuevamente sobre la melodía principal, que da paso a un parte orquestal lenta con muchos gongs y timbales. En ese punto, Madonna hace su primera aparición en la banda sonora y retoma la melodía «desde la tumba» con los versos share my glory / so share my coffin («compartan mi gloria, compartan mi tumba»). Aquí, una Eva Perón fallecida que insta a sus seguidores devotos a dejar de llorarla; la cantante suena aguda y ligera, casi infantil, pero a la vez «flexible y fuerte», y su interpretación presenta una cualidad etérea y delicada.^[67]​^[169]​^[172]​

La «romántica y cómica» «On This Night of a Thousand Stars» es la canción insignia del cantante de tango Agustín Magaldi, interpretado por Nail, quien, tras acostarse con Evita, se ve forzado a llevarla a Buenos Aires.^[173]​ La siguiente, «Eva and Magaldi/Eva Beware of the City», se divide en dos partes. La primera empieza con un ritmo soul de shuffle, acompañado de un bajo funky y una guitarra eléctrica distorsionada. En algunas partes, la melodía resulta compleja, al dividirse en distintas secciones, con o sin percusión.^[169]​ Madonna interpreta a una Eva muy joven, idealista y a la vez oportunista, y la letra narra la partida de su hogar y de sus orígenes humildes.^[67]​^[169]​ Su canto transmite una vivacidad precisa y representa a una mujer mucho más joven. Al ser un número propio de un musical, narra una historia: Eva se relaciona con un cantante famoso que promete llevarla a Buenos Aires.^[67]​ La segunda mitad, «Eva Beware of the City», funciona como una advertencia de los hombres sobre la vida y los peligros que enfrentan los desconocidos que llegan a la gran ciudad. Eva también recibe una advertencia por su condición de mujer. En un momento dado, la cantante pronuncia la línea Screw the middle class («Al diablo con la clase media») en un pasaje vocal en solitario, y luego el tempo vuelve a acelerarse. Según Rooksby, la interpretación de Madonna suena un poco limitada por las exigencias de la pista, cuyos numerosos cambios la convierten en un número particularmente exigente.^[174]​ A diferencia de «Don’t Cry for Me Argentina», no funciona como una canción pop independiente debido a los excesivos cambios tonales y vocales, así como a los bruscos cambios de tempo.^[67]​

El disco continúa con «Buenos Aires», una de las melodías características de la producción, descrita como la «New York, New York» de Evita y la pieza que más se asemeja a una canción pop de Madonna.^[67]​^[172]​ Comienza con el sonido de una bocina de tren que resuena entre destellos de guitarras ligeras, percusión latina y batería, y las estrofas se interrumpen dos veces con paradas repentinas.^[174]​ Madonna emplea un registro más bajo de lo habitual, aunque en un momento dado la melodía la lleva a un rango más agudo.^[174]​^[175]​ Aparece un tema de carácter «siniestro», con guitarras pesadas, trompetas y algunos acordes discordantes que evocan una «especie de colisión entre John Barry y una banda latina de salsa».^[174]​ La letra, «audaz y atrevida», encaja dentro del estilo habitual de Madonna: Eva, una ambiciosa joven de pueblo, llega a la gran ciudad con sueños aún mayores y en busca de excesos.^[67]​^[174]​ Canta con energía What's new, Buenos Aires? I'm new / I want to say I'm just a little stuck on you; you'll be on me too («¿Qué hay de nuevo, Buenos Aires? Soy nueva / Quiero decir que estoy un poco prendada de ti; tú también lo estarás de mí»), y se muestra segura de sí cuando declara Stand back... because you oughta know what'cha gonna get in me / Just a little touch of star quality («Apártate... porque deberías saber lo que te espera conmigo / Solo un pequeño toque de carisma».^[58]​^[176]​ Luego añade con glamur y «pasión palpable» los versos Put me down for a lifetime of success («Apúntame para una vida de éxito») y Give me credit, I'll find ways of paying («Dame crédito, ya encontraré la manera de pagarte»).^[174]​^[177]​ Además, el arreglo no presenta los excesos ostentosos de las composiciones de Lloyd Webber.^[67]​

Descrita por Madonna como una canción sobre «crecer, la decepción y el duro golpe de la realidad», «Another Suitcase in Another Hall» constituye el otro tema célebre del musical.^[62]​^[174]​ Es una balada de ruptura que fue modificada en la película para que la cantara el personaje de Madonna en lugar de la amante de Juan Perón, a quien ella reemplaza.^[178]​ La cantante emplea un registro más agudo —aunque suave— del que suele utilizar en su material, y se acompaña principalmente de cuerdas, algunas guitarras acústicas, un solo de saxofón y un coro masculino que repite las quejas de Eva sobre mudarse de un lugar a otro.^[174]​^[179]​^[180]​ Además, se percibe una sección de vientos «espectral» que aparece y desaparece.^[98]​ Con un sonido similar al de sus baladas menos conocidas, adopta una imagen herida y vulnerable mientras canta con tono melancólico y pesimista; a pesar de su «hambre y ambición», su voz temblorosa se quiebra «por completo» a lo largo de la canción.^[67]​^[181]​^[182]​ Eva es el centro de atención, aunque la letra permite una lectura más amplia fuera del contexto de su historia. De acuerdo con Rooksby, el tema del traslado constante genera una «resonancia emocional».^[174]​

En «Goodnight and Thank You», Eva rechaza a varios amantes mientras asciende al poder.^[152]​ Comienza con una «fanfarronería muy llamativa», similar a la música de circo, con flautas e instrumentos de viento y cuerda que llevan la melodía principal. En este punto, Eva ya es fotografiada y aparece en todas las revistas, y representa el final de una historia de amor, presentado de manera alegre y jovial. Madonna interpreta algunos pasajes en solitario y otros con Banderas, aunque también hay una secuencia en la que comparte la melodía con varias voces femeninas de acompañamiento.^[174]​ «The Lady's Got Potential», una canción de rock and roll interpretada por Banderas, es una pegadiza pieza de honky tonk que revela la amplitud de su voz y que contrasta con las imágenes de la agitación argentina.^[152]​^[160]​ «I'd Be Surprisingly Good for You», considerada una de las mejores interpretaciones de Madonna, es el momento «dramático» en el que Eva —una actriz— conoce a su futuro esposo —un militar— y su destino político queda asegurado.^[174]​^[183]​ Descrito como un número de beguine, comienza como una especie de recitativo y luego da paso a una balada suave, con flautas, guitarras clásicas, cuerdas tenues y congas, que le confieren un ritmo de shuffle sensual.^[83]​^[184]​ La voz de Madonna es más suave y expresiva, ligeramente susurrante —como la que empleó en «Justify My Love» (1990)—, para transmitir la emoción íntima del primer encuentro, y proyecta una mezcla de seducción y ansiedad cuando intenta convencer a Perón de que una relación entre ellos beneficiaría su causa.^[58]​^[131]​^[184]​ La tesitura aguda reduce su voz a un susurro casi imperceptible cuando canta I'm not talking of a hurried night, a frantic tumble and a shy goodbye («No me refiero a una noche apresurada, una caída frenética y una despedida tímida»).^[131]​ Destaca un solo de saxofón sobre un bajo sin trastes que mantiene el ambiente romántico. Banderas alterna versos con algunas líneas que expresan los sentimientos de su propio personaje. La canción concluye de forma abrupta y da paso a la narración siguiente.^[184]​

La canción «Peron's Latest Flame» incluye un ritmo marcial de percusión y una sección de metales comparada con la obra de Kurt Weill (izquierda). Por su parte, «A New Argentina» tiene un estilo orientado al stadium rock similar a la música de Queen (derecha).^[173]​^[184]​

En «Hello and Goodbye», Eva expulsa a la amante de Perón (Andrea Corr), quien toma su maleta mientras se pregunta qué sucederá y a dónde irá, y se marcha.^[185]​ El carácter militar y la posición de Perón en la canción «Peron's Latest Flame» quedan patentes con el ritmo marcial de la percusión y una sección de metales que suena con intensidad, comparada con la obra del compositor alemán Kurt Weill.^[173]​^[184]​ Banderas retoma la letra inicial y señala el hecho de que ciertos sectores sociales, como la burguesía y el ejército, se han vuelto en contra de Eva. El narrador se da cuenta de ello, pero lo desaprueba.^[173]​^[184]​ La canción tiene un ritmo potente, y la letra se refuerza por un coro masculino que expresa el rechazo generalizado hacia Eva. Al escuchar con auriculares, se perciben algunos redobles de tomtom en estéreo y un pasaje de pocos segundos de rock progresivo de los años 1970, con un solo de sintetizador similar al sonido de Rick Wakeman. Tim Rice introduce algunas líneas «ingeniosas» en la letra, donde el pueblo llega incluso a calificar a Eva con insultos, mientras ella se queja de ser vista solo como una actriz y aspira a tener mayor influencia.^[184]​ Las guitarras eléctricas y el compás ternario marcan el comienzo de la siguiente pieza musical, «A New Argentina», de estilo stadium rock similar a la obra de la banda británica Queen, que incluye un coro multitudinario.^[184]​ La letra pretende ser un himno de levantamiento popular, en el que Eva apoya la ambición política de su esposo y ambos prometen transformar su país en una sociedad moderna y libre.^[184]​^[186]​ Madonna interpreta la canción con un tono agresivo, con un gruñido en su voz. En la sección central, la intensidad disminuye y se aleja temporalmente del estilo rock, antes de regresar con un riff cromático y el sonido estruendoso de la batería cuando Perón renuncia al ejército y marcha junto a los trabajadores. El tema alcanza un gran clímax vocal, con la voz de Madonna por encima de las voces de los demás.^[184]​

Jonathan Pryce, en su personaje de Perón, da comienzo al disco dos de Evita con un discurso desde el balcón de la Casa Rosada.^[188]​ A este sigue «Don't Cry for Me Argentina», la pieza central y más famosa del musical, una balada operística de pop orquestal en la que Eva canta al pueblo argentino.^[81]​^[162]​^[189]​ Comienza solo con las cuerdas, a las que pronto se añade un arpa.^[184]​ En general, Madonna emplea un tono más bajo y su voz suena competente, aunque a veces se desliza hacia un tono más agudo y emplea el vibrato a lo largo de toda la pieza.^[175]​^[184]​ La segunda estrofa introduce una ligera percusión con guitarra acústica, y el segundo estribillo crece en intensidad y se vuelve más fuerte y rítmico.^[184]​ Se aprecia un acompañamiento de cuerdas y una sección de viento metal que alcanza su clímax a medida que la canción llega a su crescendo.^[190]​ Los platillos marcan el final del tema y luego este se desvanece.^[187]​ La letra contiene muchas frases resonantes que Madonna aprovecha para hacer una especie de «declaración indirecta sobre sí misma», aunque algunas líneas de la segunda estrofa presentan un tono irónico, como las que aluden a la idea de la ilusión.^[184]​^[187]​

«High Flying, Adored» es una canción pop de tono agradable, descrita como «muy suave y dulce».^[187]​^[191]​ Banderas interpreta la primera estrofa, que evoca imágenes de fantasía sobre un dormitorio, una santa y una chica de barrio, etcétera. Algunos momentos de la canción recuerdan al estilo de Elton John. Cuando Che se dirige a ella en el verso you did it all at 26 («lo conseguiste todo a los 26 años»), se establece un paralelismo entre ambas figuras.^[187]​^[192]​ Aquí, Eva se encuentra en la cima de su fama, aunque la voz masculina le advierte de lo que está por venir, de cómo el pueblo se volverá en su contra. Madonna entra con un cambio de tonalidad, que simboliza el éxito de la chica del pueblo. Según Rooksby, la canción transmite un ambiente «nauseabundo y narcisista de autocelebración que impregna todo el musical».^[187]​ La siguiente pista, «Rainbow High», es un poco más acelerada y está construida sobre una secuencia de acordes menores.^[187]​ La letra describe la transformación de Eva en una primera dama «glamurosa y sofisticada». En este aspecto, mientras se prepara para su gira europea Rainbow, elige su vestuario y rebusca entre joyas y ropa.^[193]​ Ahora, con fama y éxito, adopta una actitud similar a la de María Antonieta; aspira a reinventarse «como una estrella, como una diosa».^[187]​ Más estrofas describen cómo justifica gastar dinero en ropa y joyas cuando el pueblo es pobre y desempleado, y afirma que se viste elegantemente no solo para proyectar una imagen de Argentina, sino también para entretener a la gente y hacerles olvidar sus vidas monótonas; en una línea, recita They need their escape, and so do I («Ellos necesitan su escape, y yo también»).^[193]​ Los instrumentos predominantes son la batería, los metales, las cuerdas y la guitarra eléctrica, acompañados de una letra «un poco rebuscada» y saltos artificiales en la melodía. Hacia el final se introduce un cambio de tonalidad y una sección de salsa.^[187]​ Banderas aborda con humor la siguiente canción, «Rainbow Tour», que representa la cima de la popularidad de Eva y que contiene la famosa degradación del papa.^[157]​

«Waltz for Eva and Che» tiene un sonido orquestal al estilo de Bernard Herrmann (izquierda).^[154]​ En un momento de la canción, la guitarra toca brevemente una melodía similar a «Theme for Young Lovers», de The Shadows (derecha).^[194]​

Pryce canta en solitario la «conmovedora» «She's a Diamond», una pieza solemne que interpreta cuando su esposa empieza a debilitarse por el cáncer.^[117]​ El vals «Waltz for Eva and Che» tiene un sonido orquestal «elegante», al estilo de Bernard Herrmann, aunque no está excesivamente recargado.^[154]​ Che canta la primera estrofa, en la que acusa a Eva de traicionar al pueblo, y ella se defiende en la segunda. Se trata de una visión de la política como una rama del entretenimiento popular. Cuando se retira, Eva se burla de él, y, al tratarse de un musical, lo hacen todo en perfecta armonía. La música es más bien incidental en relación con la letra y alcanza su clímax con un tema principal pretencioso, con metales oom-pah, timbales y varios clichés musicales. Luego pasa a un pasaje de cuerdas en el que Eva lamenta el hecho de estar envejeciendo.^[187]​ La guitarra toca brevemente una melodía muy similar a «Theme for Young Lovers», de The Shadows.^[194]​ «Your Little Body's Slowly Breaking Down», que el personaje de Pryce interpreta para informarle a Eva que se está muriendo, está impregnada de «una emoción que trasciende el género».^[98]​

Descrita como un aria «operística» y «tradicional», «You Must Love Me» es una balada romántica y nostálgica que aparece hacia el final de la historia.^[78]​^[145]​^[162]​ Comienza con la voz solista de Madonna y luego continúa acompañada de piano y cuerdas; en el estribillo se le suma un violonchelo que aporta un matiz melancólico.^[194]​^[195]​ Una Eva gravemente enferma de cáncer reflexiona sobre la relación con su esposo, quien la utilizó con frecuencia con fines políticos, e intenta desesperadamente aferrarse a él.^[62]​^[67]​ La letra plantea interrogantes sobre cómo puede mantenerse viva la ilusión: el personaje pregunta qué ha sucedido y cómo pueden mantener «vivas las pasiones» si creían mutuamente, pero ahora el sueño se desvanece y teme que él «se le escape».^[194]​^[196]​ La respuesta a cada interrogante es el estribillo, you must love me («debes amarme»), que se repite hasta «parecer una amenaza».^[196]​ El registro de Madonna es crudo; su interpretación suena desesperada por ser amada y recordada como un icono, y esa desesperación temblorosa se mantiene dentro del límite justo de lo emotivo.^[182]​^[197]​ En sus últimos días, mientras lucha por aceptar su muerte, suplica que Perón y el pueblo argentino la recuerden.^[198]​^[199]​ La letra subraya «conmovedoramente» la última palabra del verso you must love me, cuando Eva se da cuenta de que su esposo no la había elegido por motivos puramente políticos.^[199]​ Según Rooksby, la canción no hace referencia directa a Eva, por lo que puede separarse del musical.^[194]​

Madonna comienza «Eva's Final Broadcast» en un tono similar, acompañada de instrumentos de viento metal y viento madera de carácter sombrío, y su interpretación resulta especialmente emotiva. La melodía presenta algunos giros inusuales: se incorpora un coro que repite la palabra «Evita» varias veces hasta que este se desvanece, tras lo cual Madonna retoma la melodía principal de «Don't Cry for Me Argentina». Además, la canción incluye un reprise con una letra distinta, bajo el título de «Eva». El personaje está enfermo y muriendo; las voces corales regresan con un pasaje fúnebre en español, acompañado de redobles de batería y guitarras acústicas rasgueadas. El coro se atenúa para dar paso a un «estruendo» de piano y a una voz masculina que vuelve a entonar la melodía de «Argentina».^[194]​

La última pista de la banda sonora es «Lament», descrita como «notablemente más conmovedora que cualquier otra pieza».^[98]​ Madonna canta acompañada de una guitarra clásica, mientras Eva reflexiona sobre su vida y su fama con cierto grado de ensimismamiento. Su interpretación vocal es temblorosa, motivo por el que no alcanza algunas notas; parte de los versos se pronuncia a medias. A continuación, un golpe orquestal estruendoso introduce el gran final instrumental, con timbales y retumbos de metales. Le sigue un pasaje más tranquilo en el que la guitarra clásica y el arpa acompañan la entrada de Banderas, quien canta sobre la tumba de Eva. El cierre toma un tono sentimental sobre lo efímero de la vida y recupera elementos de «Rainbow High», aunque con un matiz sarcástico; la canción se desvanece con una sensación extraña de anticlímax.^[194]​ En el rodaje de la película, tanto esta pista como «Your Little Body’s Slowly Breaking Down» se filmaron en vivo: Parker decidió prescindir de las versiones pregrabadas porque no transmitían el grado de pathos necesario para las escenas.^[98]​

Los primeros informes sobre el lanzamiento de Evita surgieron entre julio y agosto de 1996 en publicaciones como Kingman Daily Miner y The New York Times, que confirmaron en ese momento que Madonna interpretaría solo nueve canciones en total y que el material se lanzaría en noviembre de ese año, un mes antes del estreno del filme en la temporada navideña.^[86]​^[200]​ Visto que promocionar la banda sonora de una película musical seis semanas antes de su estreno podría considerarse «complicado», Warner Bros. Records se apoyó en las reseñas de prensa previas al lanzamiento, en la curiosidad del público consumidor y en los sencillos como estrategia para mantener el interés hasta su comercialización.^[39]​ Dada la ausencia de musicales exitosos en los últimos años, Russ Thyret, entonces presidente de Warner, reconoció los riesgos de un musical y advirtió que era un territorio «inexplorado para nosotros»; por ello, la compañía dependía de la seguridad de las ventas anticipadas de la banda sonora para garantizar un éxito comercial.^[201]​^[202]​ Thyret señaló que los minoristas, «ansiosos por el álbum», estaban dispuestos a asumir el riesgo de alienar a los fanáticos más jóvenes de Madonna.^[201]​

Los Angeles Times informó que Evita era uno de los tres favoritos —junto con las bandas sonoras de Space Jam y The Preacher's Wife— para el tipo de ventas sostenidas que «realmente impulsan el mercado», y se esperaba que la naturaleza del proyecto «trascendiera cualquier duda».^[203]​ Según Tim Devin, gerente de Tower Records, la obra ya registraba una gran demanda mucho antes de su lanzamiento y señaló que había «más consultas sobre este disco que sobre cualquier otra cosa en este momento».^[39]​ En este sentido, Warner Bros. tenía pedidos de 700 000 copias solo en Estados Unidos.^[201]​ Jeff Gold, vicepresidente ejecutivo y director general del sello, consideró la publicación como un «evento mundial que ha encendido el interés de los consumidores en cada etapa de su desarrollo».^[39]​ Además, dada la naturaleza operística del material, que distaba de los éxitos pop anteriores de Madonna, el lanzamiento representó una oportunidad para la cantante de ampliar su público hacia un grupo demográfico de mayor edad, además de su base de seguidores.^[201]​

Aunque todos los actores cantan en el disco, Evita se publicitó como un nuevo álbum de Madonna, lo cual contribuyó a su rendimiento comercial en las listas de éxitos, y forma parte de su discografía oficial al igual que sus anteriores bandas sonoras Who's That Girl (1987) y I'm Breathless (1990).^{[nota 5]}​ El material se lanzó en dos versiones separadas: un álbum doble titulado The Complete Motion Picture Music Soundtrack, que presentaba todas las canciones de la película y duraba 107 minutos, y una edición de un solo disco, Music from the Motion Picture, que omitía los números más breves presentes en el álbum completo —en su mayoría diálogos— y contenía una selección de diecinueve temas destacados, de los cuales quince eran interpretados por Madonna —seis de ellos en solitario—.^[117]​^[168]​^[207]​ La portada del álbum doble muestra dos imágenes extraídas de la película: una con el pueblo argentino en una manifestación bajo una toma más grande con Madonna caracterizada como Eva Perón; se aprecian los ojos marrones postizos que lució para caracterizar al personaje.^[188]​ En la portada de la edición de un solo disco aparece la cantante junto con Antonio Banderas durante una escena del filme.^[208]​ Las dos carátulas fueron tomadas por el fotógrafo David Appleby.^[101]​^[208]​ Se añadieron numerosas imágenes de la película en el folleto del álbum, pero se omitieron las notas, las letras de las canciones y las indicaciones de duración, lo cual fue criticado por el periódico Bay Area Reporter.^[83]​^[101]​ Sí se incluyó un agradecimiento especial de Madonna a Lader, por «ayudarme a encontrar mi voz», a Caddick, por su «paciencia y orientación», y a Caresse Henry-Norman —su asistente personal— por su «fortaleza».^[68]​^[156]​

El sello Warner Bros., una compañía de Time Warner, publicó y distribuyó ambas versiones en los formatos CD y casete, mientras que los derechos de la grabación pertenecieron a Cinergi Pictures, productora de la película.^[210]​^[211]​^[212]​ La edición de un solo disco fue la que se lanzó inicialmente para el mercado internacional y no estuvo disponible en Canadá ni en Estados Unidos.^[6]​^[168]​^[191]​ La primera fecha de lanzamiento de Evita —en su edición de CD único— tuvo lugar el 25 de octubre de 1996 en Australia y la mayor parte de Europa.^[213]​^[214]​^[215]​ No obstante, en otros países del continente, como España y Reino Unido, estuvo disponible tres días después, el 28.^[66]​^[122]​^[216]​ En países latinoamericanos como México, salió el 2 de noviembre a un precio de 120 MXN, mientras que en Japón la fecha fue el 10 de ese mes, a través de Warner Music Japan.^[207]​^[217]​ La edición de dos discos salió a la venta el 11 de noviembre en Australia, el 18 en el Reino Unido y el 25 en el resto de los mercados internacionales.^[6]​^[218]​^[219]​^{[nota 6]}​

En lo que respecta a Estados Unidos, Warner Bros. decidió publicar y distribuir únicamente el álbum doble, que se vendió a un precio de catálogo de 28 dólares, casi dos veces el costo de un disco compacto normal.^[191]​^[201]​ La fecha estaba pactada inicialmente para el 29 de octubre y luego se informó que sería el 5 de noviembre.^[222]​^[223]​^[224]​ Sin embargo, volvió a posponerse y finalmente salió a la venta una semana después, el martes 12.^[100]​^[209]​^[225]​^{[nota 7]}​ La megatienda Virgin en Times Square permaneció abierta hasta la noche del lunes 11 y anunció que comenzaría a vender la banda sonora a medianoche.^[209]​ En Japón, el álbum doble se publicó el 25 de enero de 1997 a través de Warner Music Group.^[227]​

El lanzamiento de la banda sonora en Estados Unidos se vio envuelto en una polémica cuando, a principios de diciembre de 1996, MCA Records presentó una demanda federal ante el Tribunal de Distrito de Los Ángeles contra la firma inglesa Evita Records Ltd., en la que alegaba que la compañía había violado un contrato de 1976 que cedía los derechos de la banda sonora de la película Evita a MCA. Dado que el filme no se materializó en esa época y, finalmente, fue Warner Bros. la compañía que publicó la banda sonora, la demanda solicitaba una indemnización por daños y perjuicios que superaba los 50 000 USD. Según la acción legal, el sello firmó un acuerdo en mayo de 1976 con Evita Records, que poseía los derechos exclusivos para producir y vender grabaciones de las presentaciones del musical Evita en todos los formatos. Según los términos del acuerdo, se le asignó a MCA el derecho de tanteo para grabar producciones del espectáculo en otros medios. MCA también alegó que Evita Records incumplió el contrato en 1995 al autorizar a terceros a producir la banda sonora de la película.^[228]​

En marzo de 1997, la fuerza policial paramilitar de Italia —los Carabineros— confiscó casetes falsificados de una tienda de discos local en San Remo, entre ellos grabaciones ilegales de la banda sonora de Evita.^[229]​ En julio de ese año, el CD único con los temas destacados fue reeditado en los mercados internacionales bajo el título Evita: Selections from the Motion Picture Soundtrack; en Estados Unidos, el debut de esta versión estaba previsto para el 17 de junio, pero posteriormente se aplazó al 29 de julio.^[6]​ La edición doble volvió a lanzarse en 2005 en formato CD y, a finales de julio del año siguiente, Warner Music Japan reeditó la versión de un solo disco como parte de la serie Forever Young, junto con Erotica (1992) y Bedtime Stories (1994), los anteriores álbumes de estudio de Madonna.^[210]​^[230]​

En junio de 2008, los periódicos Corriere della Sera y La Gazzetta dello Sport, en colaboración con Warner Music Italia y la agencia Zampe Diverse, lanzaron al mercado Madonna: Dalle Origini Al Mito, una caja recopilatoria que incluía Evita y otros discos de Madonna, con motivo de sus veinticinco años de carrera musical.^[231]​ El álbum doble estuvo disponible como descarga digital en 2010 y, por primera vez, en vinilo en 2016, a través de la discográfica JDC Records.^[210]​ Por su parte, Music from the Motion Picture fue reeditado en disco compacto en 2004 y 2015, y luego se publicó en las plataformas digitales.^[232]​

Brett Dicker, vicepresidente sénior de promoción de Disney, señaló que la banda sonora era «fundamental» y que Warner Bros. planeaba promocionarla «intensamente» con el lanzamiento de varios sencillos y vídeos musicales.^[233]​ Se creó un sitio web oficial de la película Evita que promovía el disco e incluía entrevistas con Parker, realizadas en el estudio de grabación de Londres y con Lloyd Webber, quien habló sobre los cambios de la partitura original en el filme y el propósito de la creación de «You Must Love Me», entre otros temas.^[90]​^[234]​ Además, en computadoras multimedia, los internautas podían escuchar fragmentos de canciones como «Don't Cry for Me Argentina», «You Must Love Me» y «The Lady's Got Potential».^[235]​ La página de Warner Bros. Records también ofreció un apartado especial dedicado a Evita, en el que se ofrecía información sobre los principales vocalistas y productores, así como los créditos y la lista completa de canciones del álbum doble, entrevistas al reparto y a Parker, y una biografía de la cantante, entre otros contenidos.^[236]​ Asimismo, el sitio incorporó una sinopsis canción por canción del álbum, en la que se detallaban las escenas de cada número y su función dentro de la estructura narrativa del filme.^[237]​

Madonna cubrió las portadas de las revistas People, Redbook, The Times Magazine, Us, Vogue y Vanity Fair, donde además ofreció entrevistas en las que, además de tratar temas sobre la banda sonora y la película, enfatizaba los paralelismos entre su vida y la de Eva Perón.^[238]​^[239]​^[240]​^[241]​ En las fotografías, lucía un atuendo inspirado en Eva Perón: trajes y sombreros propios de los años 1940 y el cabello recogido en el característico moño austero de la primera dama. Además, utilizó lentes de contacto de color marrón —como en la película— para asemejarse a Evita.^[233]​^[242]​ Destaca su reportaje en la edición de noviembre de 1996 de Vanity Fair, donde publicó un extenso diario personal titulado Madonna's Private Diaries, en el que recogió «emociones, ideas y sueños» durante el rodaje.^[243]​ También dialogó sobre su entrenamiento vocal y las sesiones de grabación en el noticiario Entertainment Tonight y el programa matutino This Morning.^[26]​ El mismo día de su lanzamiento en Estados Unidos, el canal MTV dedicó su programación a reproducir repetidamente el vídeo musical de «You Must Love Me», el primer sencillo publicado semanas antes de la banda sonora.^[209]​ De la misma manera, varios videoclips con las canciones más conocidas estuvieron listos para emitirse en las cadenas de televisión.^[244]​ En diciembre, la cantante ofreció conferencias de prensa en Los Ángeles y Nueva York y se presentó en el programa diurno de Oprah Winfrey; al mes siguiente, concedió una entrevista con Rosie O'Donnell.^[62]​^[245]​^[246]​

En el Reino Unido, la banda sonora contó con una extensa campaña promocional de «alto impacto» a cargo del director de mercadotecnia Tony McGuinness, de la agencia de medios BMP, con una inversión de más de 250 000 GBP hasta Navidad.^[247]​^[248]​ Hubo comerciales de televisión durante dos semanas en Channel 4, ITV y estaciones de satélite, así como anuncios de radio en emisoras locales, respaldados por una amplia publicidad en prensa nacional y displays en importantes cadenas múltiples e independientes.^[247]​^[249]​ Una segunda fase de la campaña se inició en diciembre.^[249]​ Richard Crampton, de la cadena de tiendas HMV, pronosticó que el álbum «debería ser un gran éxito para Navidad».^[250]​ El 8 de noviembre, el periódico singapurense The New Paper organizó un concurso patrocinado por Warner Music en el que los lectores debían llamar al número telefónico 1900-9140002 antes de la medianoche de ese día y responder correctamente dos preguntas. Los diez primeros participantes con las respuestas correctas recibían un ejemplar de la banda sonora y un recorte con la imagen de Madonna, mientras que los siguientes diez obtenían únicamente una copia del CD.^[251]​

«You Must Love Me» tuvo su estreno mundial en Internet el 7 de octubre de 1996 para su descarga digital tanto en la sección Online Jukebox como en la página de inicio del sitio web de Warner Bros. Records.^[252]​^[253]​ Dos días después, fue lanzada oficialmente a las estaciones contemporary hit radio (CHR), rhythm-crossover y adult contemporary como el primer sencillo de Evita.^[39]​^[254]​ Estuvo disponible en formatos físicos el 21 de ese mes en el Reino Unido, el 23 en Australia, el 25 en Japón y el 29 en Estados Unidos.^[255]​^[256]​^[257]​^[258]​ La composición de Rice y Lloyd Webber atrajo elogios de la crítica, y la interpretación vocal de Madonna fue descrita como uno de los momentos musicales más destacados del material.^[58]​^[131]​^[172]​ Comercialmente, se ubicó entre los diez primeros puestos en las listas de Canadá, Finlandia, Italia, Polonia, Reino Unido, República Checa y Taiwán.^[256]​^[259]​^[260]​^[261]​^[262]​^[263]​^[264]​ Por su parte, en Estados Unidos alcanzó el decimoctavo lugar en el conteo Billboard Hot 100, lo que representó el sencillo más exitoso de Lloyd Webber y Rice en más de veinticinco años, y obtuvo un disco de oro por la Recording Industry Association of America (RIAA).^[265]​^[266]​^[267]​ En total, vendió 1,1 millones de copias en el mundo.^[268]​ Bajo la producción y dirección de Parker, el videoclip transcurre en una sala de conciertos de música clásica y se intercala con escenas de Evita.^[269]​^[270]​^[271]​ Madonna estaba embarazada de ocho meses de su hija, por lo que su vientre permaneció oculto detrás de un piano.^[270]​^[272]​ Se estrenó en MTV el 9 de octubre, coincidiendo con su lanzamiento en las radios estadounidenses, y la cadena declaró ese día como MTeVita Day.^[271]​^[273]​ «You Must Love Me» ganó el Globo de Oro y el Óscar a la mejor canción original en 1997.^[274]​^[275]​ Con ello, se convirtió en el primer premio de la Academia para Lloyd Webber y el tercero para Rice, así como la segunda canción grabada por Madonna en obtener tal distinción.^[276]​^[277]​ En la misma ceremonia, la cantante ofreció una interpretación comedida de la pieza en el centro del escenario, acompañada solo por un pianista a su derecha y un reflector sobre ella.^[275]​^[278]​

Inicialmente programado para el 9 de diciembre de 1996, «Don't Cry for Me Argentina» salió a la venta como el segundo sencillo de la banda sonora una semana después —el 16—, de manera que coincidiera con el estreno de la película en Nueva York y Los Ángeles y con la temporada navideña.^[39]​^[279]​^[280]​ La versión de Madonna obtuvo elogios de la crítica, principalmente por su interpretación vocal, descrita como «apasionada y convincente» y como una de las mejores de su carrera.^[238]​^[281]​^[282]​^[283]​ En Estados Unidos, se promocionó en las emisoras con una serie de remezclas de estilo dance y house, con influencias de tango, producidas por los DJ Pablo Flores y Javier Garza y tituladas «Miami Mixes».^[179]​^[284]​^[285]​ Madonna, que expresó interés en grabar una versión dance del tema, rehízo las voces en inglés y español y se incorporó en la introducción un sample de bandoneón argentino que suena como un acordeón.^[284]​ La interpretación de Madonna se complementó con guitarras flamencas, líneas de piano de cola y un ritmo «animado y enérgico».^[286]​ Fue tal el éxito en las radios que, ante la acumulada demanda popular, Warner Bros. publicó las remezclas el 11 de febrero de 1997 en un vinilo de doce pulgadas y un maxi CD de seis pistas.^[284]​^[285]​ El tema encabezó las listas de Canadá, España, Francia, Hungría y República Checa, además de figurar entre los diez primeros lugares en Australia, Nueva Zelanda y otros países europeos.^[287]​^[288]​^[289]​^[290]​^[291]​ En EE. UU., ocupó la octava posición en el Billboard Hot 100, lo que marcó el primer top diez de Lloyd Webber en el conteo y su mayor éxito como compositor desde 1971. Para Madonna, fue su trigésimo sencillo en ubicarse entre los diez primeros, un récord que en ese momento solo superaban Elvis Presley y The Beatles.^[292]​ La canción vendió 2,1 millones de copias en todo el mundo para junio de 2019.^[268]​ El videoclip, también producido y dirigido por Parker, está compuesto íntegramente de imágenes secuenciales de Evita y retrata la escena en la que el personaje de Eva Perón interpreta la canción desde el balcón de la Casa Rosada ante una multitud reunida en la Plaza de Mayo.^[16]​^[293]​

Warner Bros. publicó «Another Suitcase in Another Hall» como el tercer y último sencillo de Evita el 3 de marzo de 1997.^[40]​^[294]​ El lanzamiento se limitó únicamente a Australia, Europa y Japón, donde, en este último país, se lanzó el 25 de marzo.^[295]​^[296]​^[297]​ Por tal motivo, no hubo una edición física en EE. UU.^[298]​ Si bien allí estuvo disponible en tiendas minoristas especializadas en productos de importación, un representante de Warner aseguró que no se tenía programado ningún lanzamiento en formato físico en aquel país, por lo que la publicación quedó cancelada.^[6]​^[299]​ La crítica resaltó la voz «discreta e inspirada» de la artista y la canción fue reconocida como un «excelente momento íntimo» y una de las mejores de la banda sonora.^[268]​^[296]​^[300]​ Comercialmente, debutó en la séptima posición del UK Singles Chart, siendo el tercer sencillo de la banda sonora que estuvo entre los diez primeros lugares y, a su vez, representó el 39.º top diez de Madonna en la lista, un récord superado únicamente por Elvis Presley, Cliff Richard y Paul McCartney.^[301]​^[302]​ También se ubicó entre los treinta primeros en Irlanda e Italia.^[259]​^[303]​ En total, vendió medio millón de copias en el mundo.^[268]​ Se estrenó un videoclip con escenas tomadas de la película que se difundió exclusivamente en Europa.^[304]​

Se tenía pensado publicar «Buenos Aires» como el cuarto sencillo de Evita.^[6]​^[305]​ Los productores Pablo Flores y Javier Garza habían creado varias remezclas de la canción entre octubre y diciembre de 1996, junto con las de «Don't Cry for Me Argentina», a la espera de la aprobación de Lloyd Webber.^[306]​^[307]​ Para las versiones, tituladas «Te Amo», mantuvieron la composición latina de la grabación, pero aumentaron el ritmo al agregarle percusión en vivo y líneas de teclado hasta «convertirla en un himno de house latino» para las pistas de baile.^[305]​^[308]​ Larry Flick, de Billboard, comentó que las versiones mostraban la voz «cálida y luminosa» de Madonna, así como su «mayor comodidad y destreza como estilista».^[308]​ En un principio, Warner no planeaba lanzar las remezclas, pero luego cambió de opinión y las editó como sencillo promocional para las discotecas estadounidenses en agosto de 1997, coincidiendo con el lanzamiento de la película en formato casero.^[308]​^[309]​ Se emitió un videoclip con imágenes extraídas del filme en varios territorios internacionales, pero no en Estados Unidos.^[304]​ Aunque hubo planes de un lanzamiento comercial en los demás mercados, finalmente fue cancelado, aunque varias estaciones de radio recibieron copias de todos modos.^[6]​^[309]​ Tras su difusión, alcanzó la tercera posición en la lista Dance/Club Play Songs de Billboard.^[310]​

Aunque no fue editada como sencillo, la canción «High Flying, Adored» alcanzó el vigesimotercer puesto en la lista oficial de Islandia.^[311]​ Por otro lado, hubo planes de lanzar un EP de Evita con remezclas de «Don't Cry for Me Argentina», «Buenos Aires» y «Another Suitcase in Another Hall», pero el proyecto nunca se materializó.^[284]​ Si bien Madonna no realizó una gira para promocionar el álbum, interpretó «You Must Love Me» acompañada de una banda acústica de música gitana en el Sticky & Sweet Tour (2008-2009).^[312]​ Además, «Don't Cry for Me Argentina» formó parte del repertorio de las giras Drowned World (2001) y The Celebration Tour (2023-2024),^[313]​^[314]​ y la interpretó cada vez que se presentó en Buenos Aires —en 1993, 2008 y 2012— como dedicatoria al país.^[315]​^[316]​^[317]​ Por último, la artista cantó «Lament» en todas las fechas de su Re-Invention World Tour (2004).^[318]​

El mismo día de su lanzamiento, Evita fue el álbum más vendido en Estados Unidos.^[319]​ Tras completarse la primera semana, tuvo un «gran debut» en la lista Billboard 200 tras ingresar en la sexta posición en la edición del 30 de noviembre de 1996, con ventas sólidas de 92 000 copias.^[320]​^[321]​ Representó el proyecto más exitoso de Lloyd Webber y Rice, al superar la posición obtenida por Jesus Christ Superstar (1973), y fue la primera banda sonora cinematográfica basada en un musical de Broadway que ingresó a los diez primeros puestos desde Grease, que permaneció doce semanas en el número uno en 1978.^[322]​ Según Liz Smith, del periódico Toledo Blade, fue un debut «impresionante» para un álbum doble costoso, que exigía que el oyente lo escuchara con atención, ya que no se trataba simplemente de una colección de posibles sencillos sin relación entre sí.^[323]​ Dado que el lanzamiento ocurrió antes del estreno de la película, en su segunda semana descendió al número 28 y, en la siguiente, al 30.^[324]​^[325]​^{[nota 8]}​ Tras una serie de actividades promocionales de Madonna —como su primera aparición televisiva desde el nacimiento de su hija en los Billboard Music Awards y la entrevista que concedió en el programa diurno de Oprah Winfrey—, la banda sonora subió del puesto 30 al 21 con 71 000 copias comercializadas, un incremento del 23 % respecto de la semana anterior, y luego del 21 al 15, con 112 000 ejemplares.^[327]​^[328]​^[329]​ Con la publicidad generada en torno al estreno limitado de la película en Los Ángeles y Nueva York, las ventas aumentaron particularmente en el sur de California.^[330]​^[331]​ Este auge contribuyó a que, durante la semana navideña, regresara al top diez —en la décima posición— con 225 500 copias distribuidas en todo el país, lo que marcó hasta ese momento la mayor semana de ventas de Madonna desde que el sistema Nielsen SoundScan inició sus operaciones en mayo de 1991.^[332]​^[333]​^{[nota 9]}​

Aunque el álbum volvió a descender de los diez primeros, su trayectoria en la lista cambió de rumbo nuevamente luego de que Evita llegara a las salas de cine de todo el país el 10 de enero de 1997.^[330]​ En la edición de Billboard del 25 de enero, ascendió del duodécimo al séptimo puesto, con un aumento del 2 %, gracias a la aparición de la cantante en el programa de Rosie O'Donnell y a la favorable recepción en taquilla de la película.^[334]​ Geoff Mayfield, editor de la revista, explicó que, aunque en la mayoría de las semanas un 2 % podría parecer una cifra pequeña, en este caso Evita había sido el único álbum dentro de los cincuenta primeros que registró algún tipo de incremento. Además, fue el primer proyecto de Madonna desde True Blue (1986) en regresar al top diez tras haber salido de él.^[334]​ Los reconocimientos obtenidos por la película durante la ceremonia de los Globos de Oro impulsaron aún más el interés en la banda sonora, y varios minoristas señalaron que era «solo el comienzo de una ya prolongada historia de éxito».^[335]​ Finalmente, alcanzó el segundo puesto el 1 de febrero, con 104 000 unidades vendidas, detrás de Tragic Kingdom, de la banda No Doubt, que había registrado 143 000 en el mismo periodo.^[336]​^[337]​^[338]​ Con ello, igualó la posición alcanzada por el álbum anterior de la cantante, Erotica (1992), y se convirtió en su cuarto número dos, tras I'm Breathless (1990), The Immaculate Collection (1990) y Erotica.^[339]​^[340]​ En la edición siguiente, todavía con la publicidad generada por la entrega de premios, se mantuvo en la segunda posición, con un incremento del 17,25 %, equivalente a 122 000 copias; a pesar de ello, no fue suficiente para desplazar a Tragic Kingdom, que sumaba su octava semana consecutiva en lo más alto del conteo con 144 000 unidades, una diferencia del 18 % respecto de Evita.^[341]​ De haber superado a No Doubt, Madonna habría logrado su cuarto número uno y el primero desde Like a Prayer, que permaneció seis semanas en la cima en 1989.^[339]​^[342]​

Si bien no logró el primer puesto, Evita marcó el sexto álbum de Madonna en ingresar al top diez en los años 1990 y el undécimo de su carrera en general.^[330]​^[343]​^{[nota 10]}​ Además, fue la única banda sonora de un musical en alcanzar los diez primeros durante toda la década.^[344]​ Con la promoción de la película ya finalizada, el material comenzó a descender nuevamente, aunque en un par de ocasiones experimentó un aumento en las ventas que le permitió subir de posiciones; por ejemplo, a finales de marzo registró un incremento del 45 % tras la transmisión de los premios Óscar y ascendió del 49 al 34.^[345]​ Dos meses después, a finales de mayo, el movimiento comercial por el Día de la Madre impulsó nuevamente las ventas y subió del 120 al 90.^[346]​ En total, permaneció treinta semanas en el Billboard 200, cuatro de ellas entre los cinco primeros y tres más en el top diez, y finalizó en el 26.º lugar de la lista anual de 1997.^[347]​^[348]​^[349]​ En términos de posición y cantidad de semanas, fue el undécimo álbum más exitoso de la artista en dicho conteo para diciembre de 2009.^[350]​ Tras el lanzamiento de la edición Music from the Motion Picture en julio de 1997, debutó en el número 168 a finales del mes siguiente, con aproximadamente 5000 copias vendidas, y en la semana siguiente ascendió al 167.^[351]​^[352]​^{[nota 11]}​ Al igual que en el Billboard 200, Tragic Kingdom también evitó que la banda sonora alcanzara la primera posición en el conteo semanal de Hits.^[353]​ En la lista de los cincuenta más vendidos de la revista Album Network, ocupó la tercera casilla, en este caso por debajo de No Doubt y la banda sonora de Romeo + Juliet.^[354]​ También fue el cuarto folio musical más vendido de la empresa Hal Leonard Corp. en el mes de abril de 1997, con el título de Evita: Vocal Selections.^[355]​

En Argentina, un artículo publicado en el Chicago Tribune informó que la banda sonora se estaba «vendiendo bien» en numerosas tiendas de discos de la zona comercial central de Buenos Aires, y fue el sexto álbum más vendido de octubre de 1996 en el país, según la Cámara Argentina de Productores de Fonogramas y Videogramas (CAPIF).^[356]​^[357]​ En Canadá, debutó el 25 de noviembre en la decimoséptima posición de la lista de los más vendidos de SoundScan, publicada en la revista RPM.^[358]​ El vicepresidente sénior y director general de Warner Music Canada, Garry Newman, señaló que fue el gran éxito de Navidad y uno de los tres álbumes con mejor desempeño, y pronosticó que sería «aún mayor ahora».^[359]​ Posteriormente, ascendió gradualmente de lugares y, el 8 de febrero del año siguiente, alcanzó la quinta posición.^[360]​ Permaneció veintisiete semanas en total, hasta su última aparición en el número 78 el 26 de mayo, y ocupó el puesto 65 en la lista anual de 1997.^[361]​^[362]​ La versión de un solo disco también ingresó en ese mismo conteo, donde se ubicó en el puesto 91.^[363]​ Evita alcanzó la tercera posición en el ranquin de ventas de Quebec, por debajo de Tragic Kingdom y Backstreet Boys.^[364]​ En Uruguay, se situó en el quinto lugar del conteo semanal a principios de 1997, según un informe de la revista Guambia.^[365]​

En Singapur, Evita se mantuvo durante dos semanas seguidas en la segunda posición de la lista de la Singapore Phonogram Videogram Association (SPVA), en ambas ocasiones por debajo de Paint My Love – Greatest Hits, de la banda danesa Michael Learns to Rock.^[366]​^[367]​ Una situación similar se presentó en Taiwán, donde también ocupó el segundo lugar entre el 31 de marzo y el 6 de abril de 1997, aunque en este caso fue detrás de Falling into You, de la cantante Céline Dion.^[368]​ En la edición del 5 de abril de Billboard, se ubicó en la cuarta casilla del conteo de Malasia, elaborado por la asociación de la industria discográfica del país.^[369]​ En Japón, debutó en el vigésimo puesto de la lista de Dempa Publications, Inc., publicada en la sección Hits of the World de Billboard el 22 de febrero, y una semana después ascendió al decimocuarto lugar.^[370]​^[371]​ Por su parte, en el ranquin de la empresa japonesa Oricon, llegó hasta la vigesimoprimera posición y permaneció veintiuna semanas en total.^[372]​

En Australia, la edición de un solo disco debutó en la sexta posición de la lista oficial el 10 de noviembre de 1996.^[373]​ Al igual que en otros países, comenzó a descender en las semanas siguientes, aunque recuperó posiciones tras el estreno de la película y finalmente alcanzó el quinto lugar el 9 de marzo de 1997, una semana después de que la edición doble debutara en el puesto 35 en la misma lista.^[213]​^[220]​ Permaneció veintiséis semanas en total, siete de ellas entre los diez primeros, mientras que la versión doble solo estuvo tres semanas.^[213]​^[220]​ En Nueva Zelanda, ingresó en febrero de 1997 en la posición diecinueve y fue escalando gradualmente hasta alcanzar el sexto puesto el 30 de marzo. Se mantuvo ocho semanas dentro de los diez principales, de dieciocho en total, y finalizó como el cuadragésimo álbum más exitoso del año.^[374]​^[375]​

A comienzos de 1997, Evita se benefició de la atención de los medios de comunicación y del público cinéfilo en los mercados europeos.^[378]​ Alcanzó el primer puesto en Austria, Bélgica (regiones Flamenca y Región Valona), Escocia, Eslovenia, Estonia, Grecia, Irlanda, República Checa y Suiza.^[379]​^[380]​^[381]​^[382]​^[383]​^[384]​ Ocupó el segundo lugar en Alemania, Francia, Hungría e Italia, así como en el conteo combinado de Bélgica, elaborado por la empresa Stichting Promuvi.^[383]​^[385]​^[386]​^[387]​ Además, se ubicó entre los diez primeros en Noruega (3), Dinamarca y Portugal (4), Suecia (5) y Países Bajos (6).^[384]​^[388]​^[389]​^[390]​^[391]​ En el resto de los mercados, alcanzó el decimosexto puesto en España y el decimoséptimo en Finlandia.^[392]​^[393]​ La biógrafa Caroline Sullivan supuso que la baja posición en España se debió a que la interpretación de Madonna de una heroína latina «no conectó con el público».^[42]​ En Finlandia, su recepción fue mucho menor en comparación con el anterior lanzamiento de Madonna, Something to Remember (1995), una colección de baladas que pasó diez semanas consecutivas en el primer lugar, incluso durante la temporada navideña.^[394]​ Con ello, representó su primer álbum que no ingresó entre los diez primeros desde su disco debut, en octubre de 1985.^[395]​

En el Reino Unido, Evita fue acreditada inicialmente como banda sonora original (Original Soundtrack) e ingresó en la séptima posición de la lista principal el 9 de noviembre de 1996.^[396]​^{[nota 12]}​ Alan Jones, periodista de la revista Music Week, explicó que clasificó en la lista oficial de álbumes y no en la de recopilatorios porque se compuso con ese propósito y contó con los mismos músicos de acompañamiento, independientemente de si la vocalista era Madonna —que en la mayoría de los casos, lo fue—.^[399]​ El CD representó el 85 % de las ventas totales durante su primera semana a la venta, mientras que el restante 15 % provino de las ventas del casete.^[400]​ Descendió rápidamente de posiciones, aunque a finales de diciembre tuvo un ascenso gradual tras el estreno de la película en el país; en la última edición del año subió del puesto 29 al 17, con un aumento del 170 % en ventas.^[396]​^[401]​ Regresó a los diez primeros el 11 de enero del año siguiente, precisamente en el décimo lugar, y el éxito del filme contribuyó a que ascendiera hasta la segunda posición en la semana siguiente.^[396]​^[402]​ Finalmente, el 1 de febrero alcanzó el primer puesto, trece semanas después su debut, y logró desplazar a Spice, de la banda femenina Spice Girls, por un pequeño margen de ventas.^[376]​^[403]​ Con ello, representó el 562.º número uno en la historia del conteo y tan solo uno de los dos álbumes de artistas femeninas que alcanzaron el primer lugar en 1997, junto con Let's Talk About Love, de Céline Dion.^[397]​^[404]​ Para Madonna, fue su quinto número uno —tras Like a Virgin, True Blue, Like a Prayer y The Immaculate Collection— y su undécimo top diez —desde su primer disco hasta Something to Remember—.^[377]​^[405]​ En total, permaneció cuarenta y cuatro semanas en la lista, hasta el 27 de diciembre de 1997.^[396]​ Evita también debutó en el decimocuarto lugar del conteo elaborado por la empresa británica Music Monitor/Chart-Track y publicado en la sección Hits of the World de Billboard en su edición del 16 de noviembre de 1996; dos meses después, concretamente el 25 de enero del año siguiente, ascendió hasta el segundo puesto, solo por detrás de Spice.^[373]​^[406]​ Además, ingresó en numerosas ocasiones en el ranquin Soundtrack Albums Chart de la Official Charts Company (OCC), entre 2003 y 2025, con más de 109 semanas de permanencia hasta julio de 2025. El álbum alcanzó la décima posición en la edición del 26 de agosto de 2006, siendo la única ocasión en que entró entre los diez primeros.^[396]​^[407]​

Inicialmente, Evita había sido excluida de la base de datos de la revista Music & Media debido a una confusión con respecto a la política de elegibilidad de las bandas sonoras con grabaciones nuevas, ya fueran o no de varios artistas. Una vez corregido el error, ingresó tardíamente en el segundo puesto del conteo principal European Top 100 Albums, en la edición del 1 de febrero de 1997.^[408]​ El 15 de ese mes, desplazó a Spice del número uno, donde se mantuvo durante tres semanas consecutivas.^[409]​^[410]​ A diferencia de otras publicaciones, Music & Media lo acreditó con el título de Soundtrack y no como un álbum de Madonna.^[409]​^{[nota 13]}​ Permaneció un total de diecinueve semanas en la lista, hasta su última aparición el 7 de junio de 1997 en el número 71.^[412]​

En Estados Unidos, Evita fue uno de los álbumes más vendidos de la compañía Warner Music Group en 1996,^[414]​^[415]​ así como la cuarta banda sonora más exitosa del Billboard 200 durante el periodo comprendido entre diciembre de 1996 y marzo de 1997, detrás de Space Jam, Romeo + Juliet y The Preacher's Wife.^[276]​ Un informe de Billboard reveló que había sido uno de los discos que contribuyeron a que Warner, a través de su distribuidora WEA, mantuviera el primer puesto en la cuota de mercado de álbumes en el país durante el primer trimestre de 1997.^[416]​ En la primera mitad de ese año, también se ubicó entre los lanzamientos con mayores ventas de WEA y, al finalizar la temporada, ocupó el puesto 64 entre los más vendidos del país, con 1,1 millones de copias comercializadas.^[417]​^[418]​ Billboard reportó que también había sido el cuarto folio musical más vendido de Hal Leonard Corp. en ese año.^[419]​ A finales de marzo de 1999, obtuvo cinco discos de platino de la Recording Industry Association of America (RIAA) por el envío de 2,5 millones de unidades.^[420]​^{[nota 14]}​ El reconocimiento representó el duodécimo álbum platino de Madonna y el décimo multiplatino; en este último caso, empató con Barbra Streisand como la artista femenina con la mayor cantidad en la historia.^[413]​^[421]​^{[nota 15]}​ Para diciembre de 2016, había vendido 2 025 000 copias en el país.^[423]​ Basado en el número de certificaciones, Evita es la segunda banda sonora cinematográfica de un musical de Broadway más vendida en la historia de Estados Unidos, solo detrás de Grease.^[424]​

Tanto en Argentina como en Brasil, recibió un disco de oro por parte de CAPIF y Pro-Música Brasil, por la venta de 30 000 y 100 000 copias, respectivamente.^[425]​^[426]​ Por su parte, la Canadian Recording Industry Association (CRIA) lo condecoró con doble disco de platino por superar la marca de 200 000 unidades; dado que el reconocimiento correspondió a las ventas del álbum doble, para efectos de certificación esto equivale a 400 000 copias.^[427]​ Aunque no ingresó a la lista oficial, vendió 50 000 ejemplares en Sudáfrica en 1997.^[428]​ En los países de Asia-Pacífico, la IFPI lo certificó con uno de platino en Hong Kong, en representación de 15 000 álbumes.^[429]​ Además, vendió 20 000 copias en Singapur en tan solo dos semanas, mientras que en Israel superó dicha cifra en agosto de 2001.^[430]​^[431]​ Obtuvo una placa de oro de la Recording Industry Association of Japan (RIAJ) tras la comercialización de 100 000 copias; en total, vendió 124 470, de las cuales 14 470 fueron en 1996 y el resto en 1997, año en el que ocupó el número 165 en la lista anual.^[217]​^[372]​ En Australia, finalizó como el 86.º álbum más vendido de 1996 y el 49.º de 1997.^[432]​^[433]​ La Australian Recording Industry Association (ARIA) le confirió un disco de platino tras la comercialización de 70 000 álbumes, mientras que la edición doble obtuvo uno de oro, por 35 000.^[434]​^[435]​ Luego de superar la marca de 15 000 unidades en Nueva Zelanda, se alzó con una placa de platino otorgada por la Recorded Music NZ (RMNZ).^[436]​

En los mercados europeos, fue el segundo, sexto y séptimo álbum más vendido en Austria, Suiza y Alemania, respectivamente, durante el período enero-septiembre de 1997.^[437]​^[438]​^[439]​ En el primer país, ya había comercializado 76 000 unidades para febrero de ese año, y al final recibió dos discos de platino de la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI) tras superar los cien mil ejemplares.^[440]​^[441]​ En cuanto a Suiza y Alemania, obtuvo uno de platino en ambos países por la venta de 50 000 y 500 000 unidades, respectivamente.^[442]​^[443]​ Aunque no obtuvo ninguna certificación, había vendido 40 000 discos en Portugal durante 1997.^[444]​ Pese a haberse publicado en el penúltimo mes de 1996, finalizó como la segunda banda sonora original más exitosa del año en el Reino Unido, solo detrás de Trainspotting, y el 47.º álbum más vendido en general, con 260 000 unidades comercializadas durante el periodo.^[445]​^[446]​^[447]​ Al sumar las copias de Evita, Madonna fue la vigesimoquinta artista con mayores ventas de la temporada, con un total de 510 000 unidades entre todo su catálogo.^[448]​ Durante 1997, se mantuvo como la banda sonora más vendida del país, con otras 394 159 adicionales.^[449]​ El 1 de marzo de ese año, la Industria Fonográfica Británica (BPI, por sus siglas en inglés) lo certificó con dos discos de platino, en representación de 600 000 unidades.^[450]​ Ocupó la vigesimotercera posición en la lista anual y totalizó más de 650 000 copias entre 1996 y 1997.^[451]​^[452]​^{[nota 16]}​ Desde entonces, la cifra superó los 737 000 para junio de 2019, según un reporte de la Official Charts Company.^[453]​ En los demás mercados europeos, fue disco de oro en España, Noruega, Países Bajos y Polonia, y platino en Bélgica.^[454]​^[455]​^[456]​^[457]​^[458]​ Cinco semanas después de su lanzamiento, Evita superó los dos millones de copias en toda Europa, por lo que recibió dos discos de platino de la Federación Internacional de la Industria Fonográfica.^[459]​^[460]​

En un recuento de los veinte álbumes más vendidos de Warner Music International (WMI) durante el primer semestre de 1997, Madonna encabezó la lista con la banda sonora de Evita.^[461]​ Además, en Europa fue el tercer álbum más vendido tanto en el primer cuatrimestre como en la primera mitad del mismo año, por debajo de Spice y Tragic Kingdom, respectivamente.^[462]​^[463]​ Al concluir el periodo anual, ocupó el sexto lugar entre los discos más exitosos.^[464]​ Según Emmanuel Legrand, de la revista Music & Media, representó la única presencia destacada de Warner Music Group en el listado anual, en un contexto en el que la cuota de participación de la compañía cayó por debajo del 10 %.^[465]​ En todo el mundo, Evita vendió siete millones de copias hasta enero de 1998.^[57]​^[466]​^{[nota 17]}​

Calificaciones profesionales

Calificaciones
Fuente	Calificación
AllMusic	[470]​
Daily Bruin	C-[471]​
Encyclopedia of Popular Music	[472]​
Entertainment Weekly (1996)	A-[473]​
Film Score Monthly	[152]​
Filmtracks	[157]​
Los Angeles Times	[154]​
Massachusetts Daily Collegian	B-[474]​
Music Connection	8/10[151]​
New Straits Times	[475]​
New York Daily News	[476]​
Ottawa Sun	[477]​
San Bernardino Sun	7/10[478]​
SFGate	[479]​
The Austin Chronicle	[480]​
The Buffalo News	[481]​
The Daily Vault	C[482]​
The Guardian	[483]​
The Michigan Daily	[160]​
The News	[164]​
The Rolling Stone Album Guide	[484]​
The Straits Times	[204]​
The Sydney Morning Herald	[485]​
Today's News-Herald	[486]​
Tribuna da Imprensa	[487]​
Yahoo!	[488]​

Si bien la respuesta inicial a Evita había sido «respetuosa y positiva», las reacciones fueron mayoritariamente variadas.^[131]​^[489]​ En el sitio web Album of the Year, obtuvo una calificación promedio de 62 sobre 100, basada únicamente en cinco reseñas.^[490]​ En comentarios generales positivos, Alex Gordon —de Musichound Lounge (1998)— y Michael Patrick Kennedy —de Musicals (1998)— la calificaron, respectivamente, como una de las mejores grabaciones de una obra de Lloyd Webber y un «excelente recuerdo de uno de los pocos éxitos cinematográficos musicales de los últimos años».^[491]​^[492]​ Vue Weekly describió al CD doble como una «lujosa presentación musical», y la biógrafa Florence Rajon la consideró «una grata sorpresa, con algunos momentos fuertes».^[493]​^[494]​

Aspectos como la producción, los arreglos y las orquestaciones recibieron elogios.^{[nota 18]}​ Music & Media destacó la presencia de instrumentos como la guitarra eléctrica y la batería, y La Stampa resaltó el proceso de modernización de las orquestaciones y la calidad de sonido «excelente».^[498]​^[499]​ La revista colombiana Semana la calificó como una banda sonora «meticulosamente elaborada a nivel de orquestación» y destacó el equilibrio entre los sonidos clásicos y el pop.^[500]​ Paul Verna, de Billboard, nombró a «Don't Cry for Me Argentina» y el «animado arreglo con sabor a flamenco» de «Oh What a Circus» como los momentos más destacados.^[501]​ Para el periódico Sun Sentinel, la música sonaba fresca, «conmovedora y dramática» gracias a la fuerte influencia del rock.^[159]​ De acuerdo con The Boston Phoenix, la música era «gratificante» porque Lloyd Webber «realza un centenar de voces y resplandece con un mosaico melódico».^[181]​ El autor Didier C. Deutsch escribió que la grabación mostraba una «vitalidad pop más vibrante que le otorga a la partitura un mayor impacto».^[502]​

Las interpretaciones de Banderas, Pryce y Nail atrajeron, en su mayoría, comentarios favorables de diversos medios;^{[nota 19]}​ de hecho, Manila Standard afirmó que la «excelencia» de la banda sonora se debía a las «extraordinarias interpretaciones» de los tres actores.^[117]​ En particular, la crítica hizo hincapié en la actuación de Banderas, considerada la mayor sorpresa y la verdadera revelación del material.^{[nota 20]}​ Hubo elogios a su marcado acento español, reconocido por contribuir al «carisma» de su personaje, y a su actuación en temas como «High Flying, Adored» y el dueto «Waltz for Eva and Che».^{[nota 21]}​ Filmtracks reconoció que su talento era lo suficientemente bueno como para aportar «chispa y destello» al álbum, y San Bernardino Sun expresó que podría tener una «prometedora carrera como cantante».^[157]​^[478]​ El Daily News comparó su interpretación con la de Mandy Patinkin, quien personificó a Che en el musical de Broadway, y añadió que adoptaba un tono más irónico y cínico e interpretaba «con muchos más matices».^[497]​ Lisa M. Oliveri (Massachusetts Daily Collegian) sintió que Pryce había pasado desapercibido, pero aportaba un toque de sofisticación a la producción, y Laurie Winer (Los Angeles Times) afirmó que ofrecía la interpretación «más teatral y hacía palpable la inteligencia de Perón».^[154]​^[474]​ En la misma línea, Binh-To Tran (Synapse) expresó que su actuación resonaba a lo largo de toda la banda sonora y «lideraba el elenco masculino de manera excelente».^[191]​ Por su parte, Sun Sentinel elogió las interpretaciones de Nail en «On This Night of a Thousand Stars» y Pryce en «She Is a Diamond», y Filmtracks elogió a este último por ofrecer uno de los momentos «más conmovedores» del musical.^[157]​^[159]​

La gran mayoría de las reseñas enfatizó la interpretación vocal de Madonna, que impresionó y dejó «boquiabiertos» a numerosos críticos, aunque también generó opiniones divididas.^[131]​^[172]​^[506]​ Entre las reseñas más favorables, distintos autores remarcaron que las clases de canto «dieron sus frutos» y destacaron su versatilidad, profundidad y evolución tanto vocal como dramática, así como su interpretación vulnerable, madura y «humana».^{[nota 22]}​ Edna Gundersen (USA Today) afirmó que era su mejor interpretación vocal hasta la fecha, y David Brinn (The Jerusalem Post) la calificó como una de las mejores cantantes de su generación.^[59]​^[509]​ Francesco Falconi notó que su voz era «delicada, segura y límpida» como nunca antes, y J. Randy Taraborrelli recalcó su profundidad y disciplina técnica y emocional, rara vez escuchada en sus álbumes o vista en sus presentaciones.^[56]​^[172]​ Jack Schillaci (The Michigan Daily) reconoció el trabajo «excelente» gracias a las clases de canto, que mejoraron «con éxito» su registro más alto.^[160]​ Giuseppe Rausa afirmó que estaba a la altura del desafío con una interpretación «apasionada e intensa», y Eva Joory (Folha de S. Paulo) subrayó que tenía mayor firmeza que en las canciones de Dick Tracy.^[148]​^[158]​ Tampa Bay Times sintió que mostraba madurez, melancolía y «algo de sabiduría», y El Norte recalcó los nuevos registros suaves.^[69]​^[207]​ Jay Carr subrayó su sutileza e introspección, y Keith Clifton comentó que los momentos musicales más impactantes eran las canciones más íntimas de Madonna.^[131]​^[186]​ The Guardian observó que su registro emotivo se elevaba por encima del de sus compañeros de reparto.^[483]​ En la misma línea, según David Sinclair (The Times), se desenvolvía «con soltura» y brillaba «con luz propia» en los duetos con Banderas y Pryce.^[510]​ Lisa Leigh Parney (The Christian Science Monitor) remarcó que era capaz de alcanzar tanto las notas agudas como las graves, y Rebecca Lim (The Straits Times) consideró que, aunque no era una voz «angelical ni operática», hacía un trabajo «más que competente».^[176]​^[204]​ Entertainment Weekly destacó su «gran intensidad» y el hecho de que redefine las canciones «de tal manera que podría convertirse en su álbum más personal», mientras que La Stampa admitió que, pese al descenso de tonalidad en algunas canciones, su interpretación era suelta y emotiva.^[473]​^[499]​ Jim Farber afirmó que estaba «a años de luz de todo lo que había cantado antes» y que fue la única de todas las Evitas que cantó con naturalidad, seguridad y potencia.^[476]​^[511]​ Manila Standard resaltó su calidad «impecable» e «increíblemente cautivadora», en tanto que Sun Sentinel opinó que, aunque hacía un gran esfuerzo vocal, lograba un «gran avance».^[117]​^[145]​ Peter Cook afirmó que la banda sonora «desafiará tus nociones sobre quién es Madonna», y Mat Thompson concluyó que era «el papel para el que nació».^[512]​^[513]​

La interpretación vocal de Madonna fue comparada tanto favorable como negativamente con la de Patti LuPone (izquierda) y Elaine Paige (derecha).

La interpretación de Madonna recibió comparaciones con las de Julie Covington, Patti LuPone y Elaine Paige, y algunos autores señalaron que la cantante estaba al nivel de aquellas.^[83]​^[191]​^[503]​ Otros periodistas percibieron que, aunque no estaba a la misma altura, Madonna aportaba una identificación con el material y el personaje, así como una actitud e interpretación «notable», «valiosa» y «admirable», que la diferenciaba de las demás.^[504]​^[514]​^[515]​ Por el contrario, otros concluyeron que carecía de la fuerza, ímpetu e impacto de las mencionadas actrices.^[79]​^[80]​^[479]​^[516]​ David Patrick Stearns (San Bernardino Sun) expresó que seguía a la sombra de LuPone, y Alessandro Rosa (La Stampa) notó que recurría al plano emocional para compensar la falta de potencia de su voz.^[478]​^[517]​ La propia LuPone lamentó que usara tonos mucho más bajos.^[518]​ Un grupo numeroso fue más negativo aún y desestimó el limitado registro vocal de Madonna.^[80]​^[471]​^[519]​ André Gordirro afirmó que irritaba con su «vocecita limitada», y Michael Portantiere observó problemas de tono y pronunciación de las vocales y diptongos.^[115]​^[487]​ Lucy O'Brien menospreció su actuación «mínima y plana» en varias canciones, mientras que Laurie Winer la describió como una interpretación «sin chispa».^[91]​^[154]​ Stephen Thomas Erlewine sostuvo que el álbum resultaba «curiosamente poco atractivo» porque la cantante «se esfuerza demasiado por parecer creíble», y Joel Selvin (SFGate) observó que su incomodidad era evidente porque «se esfuerza demasiado y sacrifica el tipo de matices y proyección que estas composiciones exigen».^[470]​^[479]​ Igualmente, para Margaret Moser (The Austin Chronicle), no estaba a la altura por su voz «insípida y tímida».^[480]​ Lisa M. Oliveri notó fallos en las notas más agudas, razón por la que no lograba transmitir la intensidad emocional requerida, en tanto que John Snelson lamentó la elección de Madonna al afirmar que carecía del rango vocal técnico y emocional para abordar el papel principal.^[474]​^[520]​ Robin Monica Alexander y Kelly Stitzel sostuvieron que los tonos más bajos hacían «difícil enamorarse realmente de su versión».^[521]​ Según el diario Sõnumileht, no tenía la voz de Whitney Houston, y Freaky Trigger indicó que las clases de canto «empezaron a pasarle factura [porque] su voz perdió la crudeza que le había dado tanta personalidad».^[522]​^[523]​ Los editores de The Rolling Stone Album Guide juzgaron su intento «forzado», y Eric Weisbard (Spin) criticó la «sobriedad totalmente innecesaria [y] contenida».^[484]​^[524]​ Emma Forrest (The Independent) sintió que la artista pasó de ser una estrella del pop a una «cantante sentimental», y Richard von Busack (Metro Silicon Valley) sentenció que su actuación era lo «suficientemente mala como para acabar con su carrera discográfica».^[525]​^[526]​

A pesar de recibir reseñas muy favorables, numerosos críticos no quedaron conformes con la producción, la orquestación, la composición de Rice y Lloyd Webber y la interpretación vocal de los actores masculinos. La producción fue descrita como plana, inconsistente, carente de fluidez y con una sensación «apagada y apresurada» en los pasajes narrativos.^{[nota 23]}​ J. D. Considine (The Baltimore Sun) expresó que escuchar Evita era como «oír una ópera escrita por alguien que nunca pasó de aprender a escribir recitativo».^[528]​ El Chicago Tribune opinó que el estilo de Lloyd Webber no era «particularmente memorable», y The News observó que los coros saturaban la banda sonora con escenas «desiguales y exageradas».^[58]​^[164]​ Richard Harrington (The Washington Post) la describió como una grabación «ruidosa», «tediosa» y «monótona», mientras que Geoff Brown (The Times) criticó el sonido «estruendoso» y el «ejército» de guitarras eléctricas.^[529]​^[530]​ Luis M. García (The Sydney Morning Herald) y Ben Rayner (Ottawa Sun) reprobaron el exceso de relleno; este último tachó al álbum de una mezcla «insípida de art rock rancio y música latina poco atractiva».^[477]​^[485]​ Peter Piatkowski (Yahoo!) desestimó la obra como «mediocre y aburrida», y Barbara Shulgasser (SFGate) criticó la composición «deficiente».^[488]​^[519]​ Charles M. Young, de Musician, observó que adolecía de los valores de una producción al estilo Broadway, y el Herald-Journal la describió como un «choque de cultura pop» con rimas de Rice poco convencionales.^[508]​^[531]​ Las interpretaciones de los demás actores —en particular la de Antonio Banderas— también generaron opiniones negativas en otro sector de la crítica.^{[nota 24]}​ Medios como Folha de S. Paulo, New Straits Times, Semana y Le Rempart consideraron que Banderas carecía de «chispa» e intensidad y sonaba «involuntariamente exagerado», y concluyeron que «lo suyo no es el canto».^[148]​^[475]​^[500]​^[532]​ Binh-To Tran (Synapse) opinó que tenía dificultades para dar con las notas correctas y que, tras varias escuchas, sonaba «un poco cursi».^[191]​ Para Considine, no tenía la formación vocal necesaria para que las melodías sonaran convincentes, y Elysa Gardner (Rolling Stone) aseguró que no debería dejar su trabajo principal como actor.^[80]​^[528]​ The Michigan Daily escribió que el registro de Pryce era «rico y potente», pero algo forzado en las notas más altas.^[160]​

El álbum obtuvo una recepción variada entre el público, con elogios y críticas a las interpretaciones, las orquestaciones y los arreglos, además de comparaciones con el musical de Broadway.^[533]​ The New Paper señaló que, debido al estilo operístico, podría sorprender a los fanáticos la ausencia de temas pop característicos de la cantante.^[430]​ Considine declaró que decepcionaría a sus admiradores porque no era pop ni el tipo de música que Madonna suele hacer.^[528]​ Según A Tribuna, el público consideró que la banda sonora hacía que la película resultara algo tediosa.^[534]​ Algunos autores prefirieron la recopilación Selections from the Motion Picture por el excesivo material, el costo y la larga duración del álbum doble.^[100]​^[149]​^[535]​^[536]​ En otros comentarios negativos, medios como Detroit Free Press y La Nación admitieron que el disco no alcanzaba lo trascendental y el resultado general era «superficial y frío».^[537]​^[538]​ Para Rooksby, el material era inferior a lo mejor de Madonna y que no aportaba «absolutamente nada» a su desarrollo musical.^[169]​ The Johns Hopkins University News-Letter la llamó «bastante tradicional», mientras que Dagbladet la denominó una «experiencia terrible» y pronosticó que estaba destinada a convertirse en un «recolector de polvo de grandes dimensiones».^[188]​^[539]​ Más negativos fueron Álvaro Pereira Júnior —de Folha de S. Paulo— y el autor David Menconi, quienes manifestaron que ofrecía la «misma basura» que la película y que era «imposible mejorar algo que no está a la altura».^[540]​^[541]​ En una clasificación de los álbumes de Madonna de Las Vegas Review-Journal, Jason Bracelin ubicó a Evita en el último lugar y enunció que era «tan ambiciosa como exagerada».^[542]​ Por último, Gianni Santoro, de La Repubblica, concluyó que «no será una de las grandes bandas sonoras de la historia [...], pero muchos la apreciaron».^[543]​

En la primera ceremonia de los Online Film & Television Association, donde la película recibió diecisiete nominaciones, Lloyd Webber y Rice fueron premiados en la categoría de mejor banda sonora.^[544]​ Además, estuvo entre los cinco candidatos a mejor música cinematográfica en los Filmtracks Awards de 1996, y ganó como mejor banda sonora para musical o comedia en la misma ceremonia.^[545]​ En los Brit Awards, realizados en febrero de 1997, Evita recibió una nominación a banda sonora/álbum del elenco, aunque perdió ante Trainspotting.^[546]​^[547]​ En los American Music y los Blockbuster Entertainment Awards, celebrados en enero y marzo de 1998, respectivamente, obtuvo una candidatura a banda sonora favorita, aunque en ambas premiaciones el premio fue otorgado a Hombres de negro, de Will Smith.^[548]​^[549]​^[550]​

En un resumen de lo mejor de 1996 en el cine y la música, Paisley Yankolovich, del Today's News-Herald, afirmó que Madonna «triunfó con la impecable banda sonora de Evita, tal como lo predije».^[551]​ Lisa M. Oliveri, del Massachusetts Daily Collegian, lo ubicó en el quinto puesto entre los discos más destacados de ese año, y Dalet Brady, directora asociada de Billboard, lo incluyó en la novena posición de los diez mejores álbumes de 1997.^[552]​^[553]​ Ira Madison III, de BuzzFeed, lo calificó como el octavo mejor álbum de Madonna, y Al Shipley, de Spin, lo clasificó en el duodécimo puesto en un listado similar.^[554]​^[555]​ En una encuesta dirigida a los lectores del sitio Albumism, fue elegido como el decimosexto álbum más destacado de su discografía, con un total de 91 votos.^[556]​

Con el tiempo, Evita continuó siendo «adorada» por los fanáticos de Madonna y, principalmente, por ella misma.^[407]​ Considerada una rareza en su catálogo, permanece como la última incursión de la cantante en el terreno de las bandas sonoras completas, tras los lanzamientos de Who's That Girl (1987) y I'm Breathless (1990).^[26]​ Chris Feil, de The Film Experience, resaltó el éxito del material en una época en la que la música popular estaba dominada por artistas como Alanis Morissette, Tupac Shakur y The Smashing Pumpkins, y el hecho de que Madonna lo lograra en el que «posiblemente fue el clima musical menos favorable».^[558]​ A Evita también se le atribuye ser una de las producciones en espanglish que contribuyó a reavivar el interés por la música latina orientada al dance.^[559]​

Las reseñas retrospectivas, favorables en su amplia mayoría, destacaron el «poder» del álbum y cómo las canciones se habían mantenido bien con los años. Además, fue definida como una de las obras «realmente magníficas» y «poco apreciadas» de Madonna.^[560]​^[561]​^[562]​ Algunos periodistas afirmaron que la artista logró «hacerse un nombre» con este proyecto y que el éxito de su interpretación hizo que «regresara al primer plano de la escena».^[563]​^[564]​ Para otros críticos, marcó una etapa de madurez y seriedad en su evolución artística.^[565]​^[566]​ Según Annie Zaleski, de Spin, dio inicio a su «fase seria», en la que «equilibró su coquetería juvenil con una perspectiva más madura e introspectiva».^[567]​ Para el académico Georges-Claude Guilbert, pasó de ser un «símbolo sexual del pop» a una diva de la música y una actriz seria, capaz de mantener la sobriedad.^[41]​ Por el contrario, otras opiniones retrospectivas fueron más dispares y acordaron que no representó una etapa destacada en su discografía. Esa fue la conclusión de Whitney Pastorek (Entertainment Weekly), quien consideró que marcó un momento de «trágica desmesura» en su carrera, y de Rob Sheffield (Rolling Stone), quien notó que formaba parte de los álbumes de la cantante que fueron «demasiado abstractos y fríos».^[568]​^[569]​ Aunque reconoció que el disco le había otorgado algo de la credibilidad que tanto anhelaba, Joan Anderman, de The Boston Globe, afirmó que «preferiría escuchar el tema más vulgar de Madonna que aguantar el estribillo de una de las odas de Andrew Lloyd Webber dirigidas al denominador común más bajo».^[570]​ Guillermo Alonso, de El País, reflexionó que era complicado que «cualquier cosa» de la banda sonora encajara en un ambiente festivo.^[571]​

La voz de Madonna continuó recibiendo elogios con el paso de los años. Los críticos felicitaron a la cantante por haberse esforzado en mejorar su canto, más que en cualquiera de sus anteriores proyectos, ya que le permitió ampliar su rango vocal y alcanzar notas más altas.^[574]​^[575]​^[576]​ Más aún, destacaron el trabajo con su entrenadora vocal por haberle otorgado una voz «firme y clara», una dicción más nítida y un fraseo más matizado.^[577]​^[578]​ Cynthia Peterson (Malay Mail) lo calificó como su mejor trabajo vocal y agregó que, gracias al proyecto, surgió un nuevo respeto hacia la artista.^[579]​ Taraborrelli escribió que «acalló muchas risas en el proceso», y Kathryn Hughes (Irish Mail on Sunday) expresó que «sorprendió a todos, en especial a quienes señalaban la debilidad de su voz».^[172]​^[580]​ Para el autor Igor Paskual, su voz ya no tuvo «ningún momento estridente» y ha sido «más redonda».^[581]​ El Salón de la Fama del Rock and Roll reveló una profundidad y resonancia que hasta entonces había estado ausente en sus primeras grabaciones.^[582]​ Chris Feil señaló que parte de su éxito se debía a la emoción, la «sensibilidad pop» y su «absoluta determinación por triunfar».^[558]​ Por su parte, Lucy O'Brien mencionó que interpretar estas canciones le otorgó un registro más fuerte y expresivo, con mayor profundidad y tono, en lugar de «convertirla en una vieja gloria del pop de los años 1980».^[572]​^[573]​

Su nuevo registro, más amplio, potente y definido, también fortaleció su confianza vocal, que se vio reflejada en sus siguientes producciones musicales, particularmente Ray of Light, su séptimo álbum de estudio publicado en 1998.^{[nota 25]}​ De hecho, William Orbit, productor principal de dicho disco, afirmó que Evita fue un factor importante que contribuyó al éxito de Ray of Light, debido a que la ayudó a crecer como cantante.^[593]​ Otros productores y compositores, como Marius de Vries y Rick Nowels, que también colaboraron en ese álbum, notaron una evolución en su confianza y mayor capacidad de proyectar su voz gracias a su trabajo en la banda sonora.^[594]​ Cuando se le preguntó cuál había sido el mayor reto de su carrera, la cantante respondió que trabajar en Evita con Lloyd Webber y Rice, debido a su «sensibilidad vocal completamente diferente».^[595]​ En su opinión, fue un «gran descubrimiento» haber encontrado su voz porque le permitió «hacer cosas con ella que nunca pensé que fueran posibles», además de influir en su manera de escribir y componer canciones.^[596]​^[597]​^[598]​ Peter Piatkowski, de PopMatters, afirmó que uno de los legados más significativos y duraderos del material fue que pudo emerger con una voz más sólida y potente, y que logró ofrecer distintos matices y colores en su interpretación.^[67]​ Por último, el profesor Keith E. Clifton concluyó que sus esfuerzos por transformar la calidad de su voz marcaron un hito en su carrera que continuó influyendo en sus trabajos más recientes.^[131]​

Todas las letras escritas por Tim Rice, toda la música compuesta por Andrew Lloyd Webber.

Semanales Posicionamiento de Evita en listas semanales de 1996 y 1997 País/Continente Lista (1996-1997) Posición más alta  Alemania Offizielle Deutsche Charts[385]​ 2  Australia ARIA[213]​ 5 ARIA[220]​ Edición de dos discos 35  Austria Ö3 Austria[379]​ 1  Bélgica Ultratop Albums (Flandes)[600]​ 1 Ultratop Albums (Valonia)[601]​ 1 Stichting Promuvi[383]​ 2  Canadá SoundScan Top 100 Albums[360]​ 5 SoundScan Top 100 Albums[363]​ Edición de un solo disco 91  Dinamarca IFPI[384]​ 4  Escocia Scottish Albums Chart[380]​ 1  Eslovenia Gorenjski Glas Top 3[381]​ 1  España AFYVE[392]​ 16  Estados Unidos Album Network Album Retail[354]​ 3 Billboard 200[336]​ 2 Billboard 200[351]​ Edición de un solo disco 167 Hits Top 50 Albums[353]​ 2  Estonia Eesti Top 10 (CD-d)[382]​ 1 Eesti Top 10 (Kassetid)[602]​ 5 Europa European Top 100 Albums[409]​ 1  Finlandia Suomen virallinen lista[393]​ 17  Francia SNEP[386]​ 2  Grecia IFPI[383]​ 1  Hungría Album Top 40 slágerlista[387]​ 2  Irlanda IFPI[384]​ 1  Italia FIMI[383]​ 2  Japón Dempa Publications[371]​ 14 Oricon[372]​ 21  Malasia RIM[369]​ 4  Noruega VG-lista[388]​ 3  Nueva Zelanda RMNZ[374]​ 6  Países Bajos Dutch Album Top 100[391]​ 6  Portugal AFP[389]​ 4  Reino Unido Official Albums Chart[403]​ 1 Music Monitor/Chart-Track[406]​ 2  República Checa IFPI CR[384]​ 1  Singapur SPVA[366]​ 2  Suecia Sverigetopplistan[390]​ 5  Suiza Schweizer Hitparade[603]​ 1  Taiwán IFPI Taiwan International[368]​ 2  Uruguay CUD[365]​ 5 Posicionamiento de Evita en listas semanales de 2006 País Lista (2006) Posición más alta  Reino Unido Soundtrack Albums Chart[604]​ 10

Mensuales Posicionamiento de Evita en listas mensuales de 1996 País Lista (1996) Posición más alta  Argentina CAPIF[357]​ 6 Anuales Posicionamiento de Evita en listas anuales de 1996 País/Continente Lista (1996) Posición más alta  Australia ARIA[432]​ 86  Reino Unido Official Albums Chart[447]​ 47 Posicionamiento de Evita en listas anuales de 1997 País/Continente Lista (1997) Posición más alta  Alemania Offizielle Deutsche Charts[605]​ 13  Australia ARIA[433]​ 49  Austria Ö3 Austria[606]​ 4  Canadá SoundScan Top 100 Albums[362]​ 65  Dinamarca IFPI[607]​ 15  Estados Unidos Album Network Album Retail[608]​ 13 Billboard 200[349]​ 26 Billboard Soundtrack Albums[609]​ 5 Europa European Top 100 Albums[464]​ 6  Japón Oricon[372]​ 165  Noruega VG-lista[610]​ 4  Nueva Zelanda RMNZ[375]​ 40  Países Bajos Dutch Album Top 100[611]​ 27  Reino Unido Official Albums Chart[451]​ 23  Suecia Sverigetopplistan[612]​ 89  Suiza Schweizer Hitparade[613]​ 12

Certificaciones y ventas de Evita

País (organismo certificador)	Certificación	Unidades certificadas/ Ventas[nota 26]​
Alemania (BVMI)[442]​	Platino	500 000[614]​
Argentina (CAPIF)[425]​	Oro	30 000
Australia (ARIA)[434]​	Platino	70 000[615]​
Australia (ARIA)[435]​ Edición de dos discos	Oro	35 000[615]​
Austria (IFPI Austria)[441]​	2× Platino	100 000[437]​
Bélgica (BEA)[458]​	Platino	50 000[616]​
Brasil (Pro-Música Brasil)[426]​	Oro	100 000[617]​
Canadá (CRIA)[427]​	2× Platino	200 000
España (AFYVE)[454]​	Oro	50 000[618]​
Estados Unidos (RIAA)[420]​	5× Platino	2 025 000[nota 14]​
Hong Kong (IFPI Hong Kong)[429]​	Platino	15 000[620]​
Israel	—	20 000[nota 27]​
Japón (RIAJ)[217]​	Oro	124 470[372]​
Noruega (IFPI Noruega)[455]​	Oro	25 000[621]​
Nueva Zelanda (RMNZ)[436]​	Platino	15 000[622]​
Países Bajos (NVPI)[456]​	Oro	50 000[623]​
Polonia (ZPAV)[457]​	Oro	50 000[624]​
Portugal	—	40 000[444]​
Reino Unido (BPI)[450]​	2× Platino	737 000[453]​
Singapur	—	20 000[430]​
Sudáfrica	—	50 000[428]​
Suiza (IFPI Suiza)[443]​	Platino	50 000[625]​
Sumario
Europa (IFPI)[460]​	2× Platino	2 000 000[459]​
Mundo	—	7 000 000[466]​

Fechas de lanzamiento y formatos de Evita

Fecha	País/Región	Edición	Formato	Ref.
25 de octubre de 1996	Australia	Music from the Motion Picture	CD	[213]​[385]​[379]​
	Europa
28 de octubre de 1996	España			[66]​[122]​
	Reino Unido		CD casete	[247]​[626]​
2 de noviembre de 1996	México		CD	[207]​
10 de noviembre de 1996	Japón			[217]​
11 de noviembre de 1996	Australia	The Complete Motion Picture Music Soundtrack		[218]​
12 de noviembre de 1996	Estados Unidos		CD casete	[209]​[100]​
18 de noviembre de 1996	Reino Unido			[6]​[627]​
25 de noviembre de 1996	Varios		CD	[6]​[219]​
25 de enero de 1997	Japón			[227]​
29 de julio de 1997	Estados Unidos	Selections from the Motion Picture Soundtrack		[6]​
2010	Varios	The Complete Motion Picture Music Soundtrack	Descarga digital	[210]​
2016			LP

• Grabación en CTS Studios, Whitfield Street Studios, Metropolis Studios, Abbey Road Studios, Olympic Recording Studios (Londres)
• Mezcla en Larrabee Studios North (Los Ángeles)
• Masterización en A&M Recording Studios (Hollywood)

Créditos adaptados del folleto de la banda sonora, del sitio web oficial de Evita y de AllMusic.^[101]​^[102]​^[628]​

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• Premios y nominaciones de Madonna
• Récords y logros de Madonna