Historia de la homosexualidad en el cine estadounidense

Desde la transición hacia el movimiento moderno por los derechos homosexuales, la homosexualidad ha aparecido con mayor frecuencia en el cine y la cinematografía estadounidense.

Uno de los movimientos actuales en el cine LGBT es garantizar que los actores LGBT sean contratados para interpretar roles queer; roles que históricamente han sido interpretados casi exclusivamente por actores heterosexuales, complicando la representación auténtica de las personas homosexuales entre los personajes ficticios.

La primera sugerencia notable de homosexualidad en el cine fue en 1895, cuando se mostró a dos hombres bailando juntos en la película de William Kennedy Dickson The Dickson Experimental Sound Film, comúnmente etiquetada en línea y en tres libros publicados como The Gay Brothers. En ese momento, los hombres no eran vistos como «queer» o incluso afeminados, sino simplemente actuando de manera caprichosa.^[1]​ Sin embargo, el crítico de cine Parker Tyler afirmó que la escena «impactó al público con su subversión del comportamiento masculino convencional».^[2]​ Durante finales del siglo XIX y hasta las décadas de 1920 y 1930, la homosexualidad se representaba en gran medida a través de convenciones y estereotipos basados en el género. A menudo, los personajes masculinos destinados a ser identificados como homosexuales eran afeminados, humorísticos en el cine.^[3]​ Los términos «pansy» y «sissy» se asociaron con la homosexualidad y describían «un alma florida, remilgada, afeminada dada a muñecas flojas y pasos menudos».^[3]​ Debido a su voz aguda y actitud, el pansy transitó fácilmente de la era del cine mudo a las películas sonoras, donde esas características podían aprovecharse.^[3]​ Los personajes homosexuales masculinos se representaban con trabajos estereotípicamente femeninos, como sastre, peluquero o coreógrafo; reforzando el estereotipo de que los hombres homosexuales se limitaban a ciertas carreras. Los personajes lesbianos no tenían un título como los hombres homosexuales, pero aún se asociaban con el travestismo, una voz grave y un trabajo estereotípicamente masculino.^[4]​

El primer beso erótico entre dos miembros del mismo sexo en una película fue en Manslaughter (1922) de Cecil B. DeMille.^[5]​ Marlene Dietrich fue la primera dama principal en besar a otra mujer en pantalla en Morocco de 1930.^[5]​ Durante el período de la Gran Depresión en la década de 1930, la audiencia cinematográfica había disminuido significativamente. Los cineastas produjeron películas con temas e imágenes de alto valor impactante para incitar a la gente a volver a los cines. Esto requirió la inclusión de temas más controvertidos como la prostitución y la violencia, creando una demanda de pansies y sus contrapartes lesbianas para estimular o impactar al público.^[3]​ Con la nueva afluencia de estos temas provocativos, surgieron debates sobre los efectos negativos que estas películas podrían tener en la sociedad estadounidense.

Fue durante este mismo tiempo que la Corte Suprema de los Estados Unidos dictaminó que las películas no tenían protección bajo la Primera Enmienda, debido a que la industria cinematográfica era un negocio que podía usarse fácilmente para «el mal», y varios gobiernos locales aprobaron leyes que restringían la exhibición pública de películas «indecentes» o «inmorales». La publicidad mediática en torno a varios escándalos de celebridades de alto perfil y el peligro de boicots liderados por iglesias también presionaron al liderazgo de la industria cinematográfica para establecer una junta nacional de censura, que se convirtió en el Código de Producción Cinematográfica.

El Código de Producción Cinematográfica, también conocido simplemente como el Código de Producción o «Código Hays», se estableció tanto para reducir la censura gubernamental adicional como para prevenir la pérdida de ingresos por boicots liderados por la Iglesia católica y grupos protestantes fundamentalistas, que querían juzgar el impacto moral del cine de Hollywood en el público general.^[6]​ En términos de homosexualidad, el código marcó el fin de los personajes «pansy» y el inicio de representaciones más reservadas y enterradas en el subtexto.^[3]​ Aunque el código no declaraba explícitamente que las representaciones de homosexualidad estaban en contra del código, prohibía la representación de cualquier tipo de perversión o desviación sexual, bajo la cual caía la homosexualidad en ese momento.^[7]​ Los personajes homosexuales en pantalla también llegaron a representarse como villanos o víctimas que cometen crímenes debido a su homosexualidad.^[8]​ Según el código de producción, estos villanos homosexuales debían ser castigados por la ley para coincidir con la regla del código que establecía que las películas no podían colocar el crimen por encima de la ley.^[9]​ Un ejemplo de la aplicación del código de producción es el personaje Joel Cairo en la película de 1941 The Maltese Falcon. En la novela original, el personaje es claramente homosexual, aunque en la película su homosexualidad se hace vaga.^[10]​ El código de producción no solo afectó lo que se cortaba de las películas que contenían personajes homosexuales, sino que a menudo los eliminaba por completo. La obra de teatro The Children's Hour de Lillian Hellman se estrenó como película en 1936 titulada These Three dirigida por William Wyler. La obra contenía una trama de dos maestras acusadas de tener una aventura lésbica, pero la versión cinematográfica creó un triángulo amoroso heterosexual entre dos mujeres y un hombre.^[8]​ Los críticos favorecieron el código de producción ya que permitía eliminar comportamientos indeseables del ojo público. Muchos críticos afirmaron que la versión cinematográfica de The Children's Hour era más disfrutable con la ausencia de los personajes lesbianos en comparación con la obra original.^[8]​

Sean Griffin, autor de Tinker Belles and Evil Queens: The Walt Disney Company from the Inside Out, dijo que el dibujo animado de Disney Ferdinand the Bull (1939) es «no necesariamente gay, pero definitivamente queer». El cortometraje representa a un «toro de ojos somnolientos que no se ajusta a las expectativas de masculinidad».^[11]​ Nico Lang de Harper's Bazaar dijo que la película de Disney de 1941 The Reluctant Dragon «es extremadamente queer, incluso si no es necesariamente gay». También señaló la inclusión de una pareja gay (dos antílopes machos) en Zootopia.^[11]​

El período anterior al código Hays incluyó producciones de inversión de roles de género, notablemente A Woman (1915) de Charlie Chaplin, en la que Chaplin se viste de mujer y juega con los afectos de los hombres.^[2]​ Películas como Miss Fatty (1915), con Fatty Arbuckle, y Sweedie (1914–16), protagonizada por el actor ganador del Premio Óscar Wallace Beery, crearon una visión cómica del drag que el público encontró entretenida. Sin embargo, con el establecimiento del Código de Producción de Hollywood, las representaciones de drag casi desaparecieron de las películas comerciales mainstream.^[2]​

Varias otras películas notables de drag de principios a mediados del siglo XX incluyen:

• A Florida Enchantment (1914), dirigida y protagonizada por Sidney Drew.
• Mabel's Blunder (1914), dirigida y protagonizada por Mabel Normand.
• Charley's Aunt (1915), basada en la obra de teatro y protagonizada por Oliver Hardy.
• Morocco (1930), protagonizada por Marlene Dietrich, en la que interpreta una canción en esmoquin y besa a otra mujer.
• Queen Christina (1933), dirigida por Rouben Mamoulian y protagonizada por Greta Garbo.
• Wonder Bar (1934), protagonizada por Al Jolson, presenta una breve pero explícita referencia homosexual.
• Sylvia Scarlett (1936), protagonizada por Katharine Hepburn, una película ampliamente fallida, pero significativa por la transformación de mujer a hombre.^[12]​
• I Was a Male War Bride (1949), dirigida por Howard Hawks y protagonizada por Cary Grant como un oficial francés que debe impersonar a una novia de guerra.
• Glen or Glenda (1953), una película de Ed Wood protagonizada por él mismo.
• Some Like It Hot (1959), con Tony Curtis, Marilyn Monroe y Jack Lemmon.

De 1950 a 1956, Jerry Lewis apareció en varias remakes de películas en roles originalmente escritos para mujeres. Apareció en drag en las películas At War with the Army, Scared Stiff y Money From Home, y rutinariamente adoptó manierismos afeminados y juegos de roles de género ambiguos con su pareja Dean Martin. Fue criticado por la prensa por sus referencias homosexuales de «caminar con contoneo y menearse».

Durante la Segunda Guerra Mundial y la subsiguiente Guerra Fría, Hollywood representaba cada vez más a hombres y mujeres homosexuales como sádicos, psicópatas y villanos nefarios, antisociales. Estas representaciones estaban impulsadas por la censura del código, que permitía la «perversión sexual» si se representaba de manera negativa, así como por el hecho de que la homosexualidad se clasificaba como una enfermedad mental y los hombres y mujeres homosexuales eran a menudo acosados por la policía. Esto puede examinarse en la película de Alfred Hitchcock de 1948 Rope.^[1]​^[2]​ En su artículo The History of Gays and Lesbians on Film, el autor Daniel Mangin explica:

En la película, Jimmy Stewart interpreta a un aficionado a la filosofía que introduce a los dos chicos en la «teoría del superhombre» de la superioridad de algunos humanos sobre otros. Se horroriza cuando se da cuenta de que las teorías que defendía han llevado al asesinato. El repudio algo histérico de su personaje a sus creencias anteriormente sostenidas reflejaba los miedos de algunos estadounidenses sobre la infiltración de ideas alienígenas. Que los homosexuales en Rope estuvieran conectados con las artes, como muchos de los investigados, parece apropiado a la vista de las sospechas de larga data sobre la política y las prácticas sexuales de las personas así involucradas.^[2]​

El código de censura se liberalizó gradualmente durante las décadas de 1950 y 1960, hasta que fue reemplazado por el sistema de clasificación actual establecido por la Motion Picture Association of America en 1968. Legalmente, fue el caso de 1952 Joseph Burstyn, Inc. v. Wilson el que extendió la protección legal de la Primera Enmienda a las películas, revirtiendo su veredicto original,^[13]​ y, en un segundo caso, puso fin a la práctica común de que los estudios cinematográficos poseyeran los cines. Esa práctica había dificultado que las películas producidas fuera de estos estudios, como películas independientes o internacionales, se proyectaran ampliamente, y mucho menos tuvieran éxito comercial.

Culturalmente, los consumidores estadounidenses eran cada vez menos propensos a boicotear una película a solicitud de la Iglesia católica o grupos protestantes fundamentalistas. Esto significaba que las películas con contenido objetable no necesitaban necesariamente la aprobación del Código de Producción de Hollywood o grupos religiosos para tener éxito. Como resultado, Hollywood se volvió gradualmente más dispuesto a ignorar el código para competir con la televisión y el creciente acceso al cine independiente e internacional.

Durante las décadas de 1950-1960, los personajes homosexuales en las películas estadounidenses se identificaban con insinuaciones y métodos sexuales más abiertamente (por ejemplo, una referencia en The Seven Year Itch (1955) a dos inquilinos masculinos que son «decoradores de interiores o algo»), pero tener una orientación sexual gay o bisexual se trataba en gran medida como un rasgo de miserables y suicidas inadaptados que frecuentemente se suicidaban o mataban a otras personas.^[14]​

Durante esta era de posguerra, el cine estadounidense mainstream podría haber abogado por la tolerancia hacia jóvenes excéntricos y sensibles acusados erróneamente de homosexualidad, como en la adaptación cinematográfica de Tea and Sympathy (1956), pero los personajes homosexuales frecuentemente se eliminaban del corte final de la película o se representaban como inadaptados peligrosos que caerían presa de un final violento merecido. Otros tenían temas homosexuales casi completamente eliminados, como en la adaptación cinematográfica de 1958 de Cat on a Hot Tin Roof.^[15]​ Un ejemplo temprano de homoerotismo en el cine estadounidense fue The Strange One de 1957.^[15]​

El código se relajó un poco después de 1961, y al año siguiente William Wyler rehízo una adaptación más fiel de The Children's Hour con Audrey Hepburn y Shirley MacLaine.^[15]​ Después de que el personaje de MacLaine admite su amor por el de Hepburn, se ahorca; esto estableció un precedente para finales miserables en películas que abordan la homosexualidad. Advise & Consent (1962) representó a un senador casado que está siendo chantajeado por una aventura homosexual en tiempos de guerra, y fue la primera película estadounidense mainstream en mostrar un bar gay.^[16]​

La película Lawrence of Arabia en 1962, ampliamente vista como una de las mejores películas jamás creadas, fue revolucionaria por varias razones, incluyendo representar no solo a un personaje fuertemente implícito como gay, sino también implicar una relación entre dos hombres. Aunque la sexualidad de T. E. Lawrence permanece ambigua, el director David Lean hizo que Peter O'Toole interpretara su versión del héroe del desierto como un hombre gay. Más allá de esto, Lean también implicó una relación entre Lawrence y su compañero Sherif Ali, interpretado por Omar Sharif. Años después, cuando le preguntaron sobre la homosexualidad en su exitosa película, Lean comentó: «A lo largo, Lawrence era muy, si no enteramente, homosexual. Pensamos que estábamos siendo muy atrevidos en ese momento: Lawrence y Omar...». Esta es una de las primeras ejemplos de una película LGBT+ siendo un éxito de taquilla sin una cantidad increíble de insinuaciones para disfrazar la naturaleza homosexual de la película. The Best Man (1964), donde un personaje, interpretado por Cliff Robertson, es acusado de ser homosexual, fue la primera película estadounidense en usar la palabra «homosexual».^[15]​

Brock Peters interpretó a uno de los primeros personajes expresamente homosexuales en una película estadounidense en The Pawnbroker en 1964.^[15]​ Inside Daisy Clover en 1965, basada en la novela del mismo nombre, fue otro ejemplo temprano en representar a un personaje expresamente gay o bisexual que, aunque forzado a casarse con una mujer por su carrera, no se siente incómodo con su orientación sexual y no se suicida ni cae víctima de un asesinato. Sin embargo, más allá de unas pocas líneas de diálogo, la bisexualidad del personaje se restringía en gran medida a fragmentos de subtexto e insinuaciones.

La homosexualidad comenzó a volverse más prominente en el cine, incluyendo en películas como Reflections in a Golden Eye (1967), The Detective, The Legend of Lylah Clare, P.J. y The Sergeant (todas de 1968)^[17]​ y The Killing of Sister George (también 1968) se convirtió en la primera película en inglés en tener homosexuales adultos consensuados como foco de la película.^[15]​

En Estados Unidos, los esfuerzos por crear personajes complejos gay o bisexuales en el cine se restringían en gran medida a personas como Andy Warhol y Kenneth Anger. Sin embargo, los esfuerzos del cine estadounidense mainstream por comercializar películas para una audiencia LGBT no comenzaron hasta la década de 1970.

Tras los disturbios de Stonewall de 1969 en la ciudad de Nueva York y su catapultación del movimiento de liberación gay, Hollywood comenzó a ver a las personas homosexuales como un posible demográfico de consumidores. También en la década de 1970, algunas leyes antigay y actitudes prejuiciosas cambiaron a través del trabajo de un movimiento por los derechos LGBT cada vez más visible, y las actitudes generales en Estados Unidos sobre la sexualidad humana, el sexo y los roles de género cambiaron como resultado de los derechos LGBT, la liberación de la mujer y la revolución sexual.

The Boys in the Band (1970) fue el primer intento de Hollywood de comercializar una película para consumidores homosexuales y presentar una mirada honesta a lo que significaba ser un hombre gay o bisexual en los Estados Unidos. La película, basada en una obra del mismo nombre, fue a menudo aclamada en la prensa mainstream como presentar un «hito de verdades», pero a menudo criticada por reforzar ciertos estereotipos antigay y por no tratar los derechos LGBT y mostrar a un grupo de hombres gay y bisexuales que son todos infelices, miserables y rencorosos.

En contraste, Fortune and Men's Eyes (1971), coproducida por Metro-Goldwyn-Mayer Studios, Inc., trataba el tema de la homosexualidad en prisión y representaba a los gays de manera relativamente «abierta y realista, no estereotipada y no caricaturizada».^[18]​

A pesar de la crítica y los contratiempos con la película The Boys in the Band, el tratamiento de la homosexualidad en el cine estadounidense mainstream mejoró gradualmente durante la década de 1970, especialmente si la película estaba dirigida a una audiencia gay (es decir, A Very Natural Thing (1973)), o a una audiencia más cosmopolita-liberal (es decir, Something for Everyone (1970), Cabaret (1972) y Ode to Billy Joe (1976)).^[1]​

A pesar de la creciente tolerancia hacia la homosexualidad durante la década de 1970, algunas películas de Hollywood a lo largo de la década aún representaban la homosexualidad como un insulto o una broma. Los personajes homosexuales a veces se representaban en películas mainstream como inadaptados peligrosos que necesitaban curarse o matarse. Algunas películas incluso usaban comentarios derogatorios antigay, a menudo hechos por el protagonista, de una manera que no se hacía en las películas de Hollywood con respecto a otros grupos minoritarios. Películas como Cruising (1980) y Windows (1980), por ejemplo, retrataban a los gays de manera implacablemente negativa.

La aceptación lentamente creciente de la homosexualidad en el cine continuó hasta principios de la década de 1980, con la adición de dos nuevos factores; el creciente poder político de grupos fundamentalistas cristianos, comprometidos con una agenda social y económica conservadora y tradicionalista, y el surgimiento de la pandemia de VIH/sida.

A mediados de la década de 1980, surgió en Estados Unidos un movimiento religioso-político organizado para oponerse a los derechos LGBT. El poder político de la «derecha religiosa», como se conoció, creció a medida que su rol en ayudar a elegir candidatos mayoritariamente del Partido Republicano y mover al partido más hacia la derecha política.

Como resultado, una película de Hollywood a mediados de la década de 1980 que representara a las personas homosexuales como seres humanos complejos con derecho a sus derechos y dignidad se consideraba una posible responsabilidad comercial y corría el riesgo de un boicot por parte del bastión conservador, movimiento de derecha. A lo largo de la década de 1980, si una película de Hollywood no estaba hecha principalmente para una audiencia gay o una audiencia cosmopolita-liberal, la homosexualidad a menudo se representaba como algo de lo que reírse, compadecer o temer.

Junto con el poder de los grupos cristianos fundamentalistas, el tratamiento de Hollywood de la homosexualidad y los personajes homosexuales también se moldeó por el surgimiento de la pandemia de VIH/sida. La ignorancia sobre la enfermedad y cómo se propagaba era común, y el hecho de que muchas de las primeras víctimas estadounidenses fueran hombres gay o bisexuales ayudó a alimentar el mito que dio a la enfermedad su primer nombre; GRID (Gay Related Immune Disorder).

A medida que las películas estadounidenses convencionales comenzaron a representar o hacer referencia a la pandemia, la ignorancia sobre la enfermedad, incluyendo la idea de que si uno es gay, entonces debe tener sida, se extendió.^[1]​^[3]​ La primera película estadounidense sobre la pandemia, y la ignorancia y homofobia que promovía, fue una película independiente, Parting Glances (1986). Le siguió una película para televisión convencional, An Early Frost (1985), pero la primera película de Hollywood mainstream sobre la pandemia y su impacto en la comunidad gay se estrenaría a finales de la década; Longtime Companion (1989), seguida unos años después por Philadelphia (1993).

Todas estas películas iniciales y películas para televisión sobre la pandemia seguían un patrón demográfico similar en el que la persona viviendo con sida era un hombre blanco de familia de clase media o alta, que usualmente era sombrío y emocional.^[1]​ Aunque los personajes homosexuales y la enfermedad a menudo se mostraban de manera negativa, también se mostraban juntos como algo manejable y «bien».^[1]​

A finales de la década de 1980 y hasta la de 1990, la reacción cultural y política que había ocurrido contra las personas homosexuales y los temas de derechos gay comenzó a disiparse, impactando cómo Hollywood trataba los temas LGBT. El poder del fundamentalismo cristiano también tenía sus límites; en 1988, Pat Robertson, un prominente fundamentalista cristiano, se postuló para presidente en las primarias del Partido Republicano y fue derrotado rotundamente. Durante la década, más personas LGBT salieron del armario, incluyendo celebridades y políticos, y la pandemia de VIH/sida había forzado a la sociedad más amplia a hablar más abiertamente sobre la sexualidad humana, incluyendo la homosexualidad.

Una generación más joven y franca de personas homosexuales no solo salía del armario a edades más tempranas, sino que se involucraba en ayudar a construir lo que se conoció a principios y mediados de la década de 1990 como «Cine LGBT».^[19]​

El New Queer Cinema de la década de 1990 representó una nueva era de películas independientes. A menudo dirigidas y/o escritas por personas abiertamente homosexuales, presentaban mayoritariamente personajes LGBT que eran abiertos sobre su orientación sexual o identidad de género y a menudo rechazaban abiertamente tanto la homofobia (y la transfobia) como la idea de que todos los personajes LGBT en el cine necesitaban ser modelos de rol «positivos» o políticamente correctos.

Junto a estas películas independientes, el cine convencional de Hollywood comenzó cada vez más a tratar la homosexualidad como una parte normal de la sexualidad humana y a las personas homosexuales como un grupo minoritario con derecho a dignidad y respeto. La homofobia abierta en pantalla se volvió similar al racismo, sexismo o antisemitismo abiertos. Las estrellas de Hollywood de lista A estaban más dispuestas a interpretar a un personaje gay en una película.

Inicialmente, la mayoría de estas representaciones de Hollywood estaban en el contexto de personajes campy, divertidos, a menudo en drag en alguna aventura o farsa, mientras enseñaban una lección de tolerancia, si no de igualdad.^[3]​ Las representaciones de drag también regresaron en muchas películas de la década de 1990, notablemente The Birdcage (1996), protagonizada por Robin Williams y Nathan Lane, Mrs. Doubtfire (1993), también protagonizada por Robin Williams, The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert (1994), protagonizada por Guy Pearce, y To Wong Foo, Thanks for Everything! Julie Newmar (1995), protagonizada por Patrick Swayze, Wesley Snipes y John Leguizamo.

Aunque personajes homosexuales agradables y decentes eran más comunes en las películas convencionales de Hollywood, las relaciones del mismo sexo, muestras públicas de afecto e intimidad aún eran generalmente tabú en estas películas. En la década de 1990, el protagonista, o su mejor amigo, en una película de Hollywood podía ser LGBT y una persona decente, pero, en comparación con los personajes heterosexuales en las películas, el precio de este progreso era poca o ninguna intimidad o sexualidad del mismo sexo en pantalla.

Gastón y LeFou en la película de 1991 Beauty and the Beast y Jafar de la película de 1992 Aladdin fueron creados por un animador gay llamado Andreas Deja,^[20]​ y cantaron música de Howard Ashman, quien también era gay. El hecho de que Deja también hubiera trabajado en Scar en The Lion King y el personaje titular en Hercules, por ejemplo, ha sido discutido como una influencia en el desarrollo de algunos personajes de Disney.^[21]​^[22]​^[23]​ Esta codificación queer, sin embargo, tenía sus desventajas, con redes que no querían mostrar representación abierta. Rebecca Sugar argumentó que es «realmente pesado» para un niño existir solo «como un villano o una broma» en una serie animada.^[24]​ En 2011, Deja le dijo a news.com.au que Disney tendría una «familia que tiene dos papás o dos mamás» si encuentran la «historia adecuada con ese tipo de concepto».^[25]​ Sin embargo, otros críticos criticaron a tales villanos codificados queer por contribuir al «discurso homofóbico» y equiparar la homosexualidad con el mal en sí.^[26]​^[27]​ En 1995, el cortometraje animado británico Achilles representó a Aquiles y Patroclo en una relación del mismo sexo. La película fue un hito en la representación gay en la animación.^[28]​

Fuera de películas independientes o películas hechas principalmente para una audiencia gay, esta tendencia no cambió realmente en Estados Unidos hasta Brokeback Mountain (2005) de Ang Lee, que fue un hito importante en el cine gay moderno.^[29]​ Fue una de las primeras grandes películas en presentar una historia de amor con dos roles homosexuales principales. La película proporcionó una nueva perspectiva general de la de la homosexualidad en el cine y en la sociedad. Otras películas como Monster (2003), Milk (2008) y Carol (2015) presentan todas a actores y actrices famosos interpretando personajes homosexuales en busca de amor y felicidad en sociedades opresivas.

El 13 de junio de 2014, How to Train Your Dragon 2 se estrenó en cines estadounidenses. En la película, el actor de voz para Gobber el Eructo, Craig Ferguson, improvisó una línea en la segunda película en la que menciona que nunca se casó por una razón no revelada. Ferguson y el director Dean DeBlois han confirmado que esto era en referencia a la homosexualidad del personaje.^[30]​^[31]​ Su sexualidad también se insinuó nuevamente en la tercera película, en 2019, donde parece enamorarse de Eret. El 4 de marzo de 2016, Zootopia, una película animada de buddy cop, se estrenó en los Estados Unidos. En la película, Bucky Oryx-Antlerson y Pronk Oryx-Antlerson son un antropomórfico kudu y órice, respectivamente, que son vecinos ruidosos y discutidores de la protagonista principal Judy Hopps. Dado sus especies diferentes y compartir un apellido con guion, los espectadores y fans especularon que la pareja era una pareja casada del mismo sexo. Esto fue confirmado más tarde por el codirector Jared Bush.^[32]​ En julio de 2017, In a Heartbeat, un cortometraje animado producido por Ringling College of Art and Design y financiado a través de Kickstarter, se estrenó.^[33]​ El cortometraje trata sobre un niño gay en el armario, Sherwin, que tiene un enamoramiento por otro niño llamado Jonathan y su corazón desea estar con él.^[34]​

El 22 de mayo de 2020, un cortometraje animado titulado Out se estrenó en Disney+. Este cortometraje de Pixar gira en torno a Greg intentando ocultar una foto enmarcada de él y su novio, Manuel, de sus padres, por miedo a su desaprobación. El séptimo cortometraje en la serie SparkShorts, es tanto el primero de Disney como de Pixar en presentar un personaje principal gay y una historia, incluyendo un beso del mismo sexo en pantalla.^[35]​ En junio de 2021, Luca se estrenó en Disney+. Algunos argumentaron que la película se sentía «gay» incluso si no «explícitamente queer», y más ambigua, comparándola con la película animada de 2020, Wolfwalkers.^[26]​ Strange World, que se estrenó el 23 de noviembre de 2022, presenta a Ethan Clade, quien es el primer personaje principal gay en una película animada de Disney.^[36]​ Ethan Clade es interpretado por el comediante gay Jaboukie Young-White.

En 2022, se estrenó la película de comedia romántica Bros. Es la primera comedia romántica gay hecha por un estudio cinematográfico mayor.^[37]​

• Portal:LGBT. Contenido relacionado con LGBT.

• Barrios, Richard. (2002). Screened Out: Playing Gay in Hollywood from Edison to Stonewall. (en inglés) New York: Routledge. ISBN 978-0-415-92328-6
• Russo, Vito. (1981). The Celluloid Closet: Homosexuality in the Movies (en inglés) New York: Harper & Row. ISBN 978-0-063-37019-7
• Tyler, Parker. (1972). Screening the Sexes: Homosexuality in the Movies (en inglés) New York: Holt, Rinehart & Winston. ISBN 978-0-030-86583-1
• White, Patricia. (1999). Uninvited: Classical Hollywood Cinema and Lesbian Representability (en inglés) Bloomington, IN: Indiana University Press. ISBN 978-0-253-21345-7